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Daniel Wohl "Holographic"

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Artist: Daniel Wohl
Album: "Holographic"
Label: New Amsterdam
Year: 2016

Tracklist
01. Replicate (Part 1) (6:04)
02. Replicate (Part 2) (11:03)
03. Formless (5:31)
04. Holographic Intro (1:16)
05. Holographic (8:09)
06. Pixel (2:17)
07. Source (8:18)
08. Progression (6:52)
09. Shapes (6:10)


フランス出身の作曲家ダニエル・ウォールが今年初めにNew Amsterdamより発表した新作は、私個人にとってはかねてよりポスト・クラシカルと呼ばれて一部で盛り上がりを見せたシーンや、あるいは現在インディー・クラシックと呼ばれ徐々に注目を集め始めているシーンについて考える良い契機に(現在進行形で)なっていると感じています。

この2つのジャンル、どうにもややこしいというか、ポスト・クラシカル自体が物凄く巨大なムーヴメントを形成したわけでもなく、どちらかというとやや地味な、良く言えばアンダーグラウンドなまま好事家達の間で評価されていたという印象が強かったもので、突如インディー・クラシックなる新ジャンル名が出てきた時は「ポスト・クラシカルじゃダメなのか?どう違うのか?」という疑問が非常に強かったんですよね。
昨年末になってユニヴァーサルが『これがポスト・クラシカルだ!』なんて今更すぎる編集盤を編んだことも疑問に拍車をかけた部分があると思います。

しかしながら、ダニエル・ウォールの今作を聴いてみて、彼をいわゆる「インディー・クラシック」側のミュージシャンととるのであれば確かに区分けが必要というか、感覚的にではありますが「ポスト・クラシカルとは何かが違う」印象があったのです。
何が違うのかという部分がまだはっきりとつかめてない部分があるのですが、最も大きいのは他ジャンルでも90年代以降問題とされている「テクスチュア(質感)」と「コンストラクチュア(構造)」のどちらに意識が向いているか、という点ではないかと思います。

ウォールの今作はどの楽曲を見てみても、小さなフレーズ(モジュール)の集積からなる非常に構造的な音楽が提示されています。
それ(フレーズ)が徹底的に反復されるかコラージュ的に織り合わせられるかの違いはありますが、音を足し引き/変化させながら組み合わせることで聴感上の印象の変化を狙っているようなコンポジションなのです。

同じテクスチュアを維持するモジュール群が組み合わさり/入れ替わり/多層化することでそこに新たなイメージを描き出していく。
この態度は間違いなくスティーヴ・ライヒフィリップ・グラスなどのミニマル・ミュージックの作曲家達の延長線上にあるものだと思います。

対するポスト・クラシカルはというと、そのクラシックに対する興味のポイントはオーケストラルな音のテクスチュアにあったように思います。
テクスチュアへの興味というのはそのまま「特定の雰囲気への志向」と言い換えてもいいかもしれません。
それは確かに、MikkiやJazz The New Chapterシリーズなどにも記事を提供されている八木皓平さんが仰るとおり、アンビエント/ドローンからの派生と言える感覚だと思います。

一つの音が長く引き伸ばされ、暫時的に変化していく(=ドローン)中には、ある意味では構造などあってないようなものですので、当然音色や響きなどのテクスチュアこそがコンポーザーの注目する対象となってきます。
そこにおいて「楽曲の変化」とは「音色/響きの変化」とほぼイコールであり、そのマイクロスコピックな興味から出発した楽曲は、最初から終わりまで「大きくは変化しない」雰囲気(=アンビエント)を持つことになります。

そして、そういったテクスチュアを大切にしすぎる態度は、コンポーザー達から「フレーズそのものの強靭さ」を生み出す力を奪ってしまうことがあります。
音の連なり、すなわち経時的に見ればメロディ、同時的に見ればハーモニーという「構造」が本来的に持つ力/魅力が、安易なロマンティシズム/ドラマティシズムに陥ってしまう危険性が強まってしまうのです。
ポスト・クラシカルの作曲家の中に映画音楽の作家としても活躍している人が多いというのはそういったところに起因するものが大きいのでしょう。
要は「聴きやすい」わけでして、それは裏を返せば「深く考えなくても印象だけで聴けてしまう」のですね。
(もちろん、別の観点から見ればそれはそれで非常に魅力的なのは言うまでもありませんが。)

そういった点で言えば、ウォールの今作(あるいは過去のミニマル作家達の作品)は構造的には非常に複雑です。
聴き手は小さなモジュール群が織りなす関係性の中から、自身の聴覚にしたがってイメージを描き出していくという中々に困難な作業が必要となりますが、そうであるがゆえにこれらの楽曲は純粋な輝きを放っているように思えるのです。
そしてアルバムタイトルとされた「立体映像的(holographic)」というワードは、ウォールが小さなモジュールから複雑で美しい構造を生み出しているということを如実に物語っています。

今作の楽曲には、他に「複製」「不定形」「ピクセル」「源」「前進(進行)」「形状」などという無味乾燥なタイトルのものが並んでいますが、実はその中には非常に豊かな情景が広がっています。
そしてそれを提供してくれるのは、大きな楽団を擁したり、あるいはそういった団体や企業から委嘱されたりして作曲を行う高名なプロフェッショナル達ではなく、志を同じくする楽団の協力を得ながら自身の音楽を追求する、在野(=インディー)の音楽家達なのかもしれません。


Zoltán Kocsis "Bartók: Works for Piano/バルトーク:ピアノ作品集"

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Artist: Zoltán Kocsis
Album: "Bartók: Works for Piano/バルトーク:ピアノ作品集"
Label: DENON
Year: 1975

Tracklist
01. Allegro Barbaro / 『野蛮なアレグロ』(2:31)
02-04. Three Rondos of Folk Tunes / 『民謡による3つのロンド』
 02. I - Andante (3:04)
 03. II - Vivacissimo (2:26)
 04. III - Allegro molto (2:36)
05-07. Three Hungarian Folk Tunes / 『3つのハンガリー民謡』
 05. I - Andante tranquillo rubato (0:56)
 06. II - Allegro non troppo un poco rubato (1:05)
 07. III - Maestoso (1:37)
08-11. Suite Op.14 / 『組曲 作品14』
 08. I - Allegretto (1:49)
 09. II - Scherzo (1:49)
 10. III - Allegro molto (2:09)
 11. IV - Sostenuto (2:55)
12-14. Piano Sonata / 『ピアノ・ソナタ』
 12. I - Allegro moderato (4:31)
 13. II - Sostenuto e pesante (4:12)
 14. III - Allegro molto (3:18)
15-20. Rumanian Folk Dances / 『ルーマニア民族舞曲』
 15. Jocul cu bâtā (1:03)
 16. Brâul (0:29)
 17. Peloc (1:01)
 18. Bucimeana (1:23)
 19. "Poarga" româneascá (0:27)
 20. Mānuntelul (0:48)
21-29. Old Dance Songs from "15 Hungarian Peasant Songs" / 『古い踊りの歌(『15のハンガリー農民の歌』より)』
 21. VII - Allegro (0:44)
 22. VIII - Allegretto (0:32)
 23. IX - Allegretto (0:14)
 24. X - L'istesso tempo (0:27)
 25. XI - Assai moderato (0:56)
 26. XII - Allegretto (0:33)
 27. XIII - Poco piú vivo (0:29)
 28. XIV - Allegro (0:30)
 29. XV - Allegro (1:31)


ハンガリー出身の作曲家ベーラ・バルトークの音楽には、ラディカルな響きと、叙情的な響きとが混在しています。そしてその2つは東欧の民族音楽を研究/解析し、自身の理論体系の中に組み込んだ、その音楽スタイルを源としていることも間違いありません。
彼の音楽の特徴としてよく挙げられるのは、『無調への接近』や『変拍子』など、ラディカルな部分を強調するものが多いかと思います。前者は「西欧の機能和声にとらわれない、民族音楽的な和声感覚/構造を志向した」ことに、後者は「東欧民族音楽などのダンス・リズムを根底に楽曲を構築した」ことに起因しているわけですが、どういうことか「民族音楽が持つ独自の叙情性」には中々眼が(耳が)向けられないことが多いように思えるのです。

バルトークの音楽には、慣れないと「分かりづらい」部分が確かにあると思います。
西洋音楽理論(いや、むしろ「西欧」音楽理論でしょうか)をその根底に有しながらも、そこからは排除されていた(あるいは意図的に無視されていた)東欧の民族音楽/民謡を蒐集/分析し取り入れることで生み出された彼の音楽には和声/調性が危うく感じられるフレーズが散見できます。初聴で、そらで歌えるようになる人はあまりいないでしょう。
しかし、それはあくまで「西欧から見た場合」です。彼の出身地ハンガリーやその周辺国では、その響きは代々歌い継がれた「当然の感覚」であったわけで、バルトークの音楽を解釈する際に、この「東欧の感覚」を持ちえていないと、彼の音楽のラディカルな側面(=西欧との不和)だけが強調されることになります。
それはそれで面白いとは思うのですが、やはりバルトークが自身のルーツと、そこから生み出した音楽に何を投影していたのか、ということを知るためにはその感覚を知る演奏家の存在は不可欠だと思うのです。

そして、ラディカルさと叙情性という相反する側面を味わうには、彼と故郷を同じくするピアニスト ゾルターン・コチシュが、その活動初期にDENONに録音した"Bartók: Works for Piano"が最適ではないかと思います。
ハンガリー出身ということでバルトークに近い(あるいは同等の)「民族的なセンス」を携えた彼は、バルトークの音楽の先鋭的な側面を損なうことなく、東欧民族の「歌心」をその演奏の中に込めることに成功しています。
素朴で牧歌的、しかしどこか独特の神秘性を帯びたその歌心が確かにバルトークの作品の中に息づいていることはこの作品を聴けば存分に理解できることでしょう。

勿論、民族舞踊に使われるリズムに対する理解も同様で、どんなに複雑な変拍子であろうと、その演奏は常に自然です。
そうであるがゆえに、バルトークが厳格な対位法に沿って織り込んだメロディの綴織が新鮮味を損なうこと無く、より一層の美しい響きで以って提示されています。
大掛かりなオーケストラ曲(『弦チェレ』とか『管弦楽のための~』とか)も確かに素晴らしいのですが、バルトークの音楽語法が最も輝くのは、実はピアノ独奏曲じゃないのか、とすら思えてきます。(というか、今では実際そう思ってます)
確かなテクニックと、東欧民族独特の感性の共有があるからこそ、コチシュはバルトークの思いに近い形で、その音を鳴らすことができるのです。バルトークに苦手意識のある方は、ぜひ聴いてみてはいかがでしょうか?






バルトーク:ピアノ作品集バルトーク:ピアノ作品集
(2010/08/18)
コチシュ(ゾルターン)

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Ensemble d'Ondes de Montréal "Fête des Belles Eaux"

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Artist: Ensemble d'Ondes de Montréal
Album: "Fête des Belles Eaux"
Label: ATMA Classique
Year: 2008

Tracklist
Messiaen: Fête des Belles Eaux
01. Premières fusées (2:50)
02. L'eau (3:01)
03. Les fusées (1:16)
04. L'eau (10:01)
05. Les fusées (1:40)
06. L'eau (9:26)
07. Superposition de l'eau et des fusées (1:47)
08. Feu d'artifice final (5:20)

Messiaen: Feuillets Inédits
09. Presque lent et berceur (1:59)
10. Lent (2:31)
11. Bien modéré (3:54)
12. Lent (2:57)

Ravel: Quatuor à Cordes en fa Majeur
13: 1er mouvement: Allegro moderato (8:29)


1928年に発明された電子楽器オンド・マルトノ
この楽器の生誕80周年と、そして作曲家オリヴィエ・メシアンの生誕100周年を記念して、6人からなるオンド・マルトノ楽団により、メシアンがパリ万博のために書いた『美しき水の祭典』が録音されました。

メシアンのオンド・マルトノ曲というと『トゥーランガリラ交響曲』が有名ではありますが、オンド・マルトノ以外にも様々な楽器の使われたトゥーランガリラと違い、こちらはなんと6台のオンド・マルトノのみによる演奏になっています。

この楽曲は、「ロケット花火(fusées)」と「水(l'eau)」という二つのパートで構成された8楽章の組曲です。
「花火」と題されたパートでは無調の旋律が妖しく踊り、「水」と題されたパートではゆったりとした、瞑想的なアンビエンスがじんわりと空間を満たしていきます。

なによりやはりオンド・マルトノの音の持つ、電子音としてのオーセンティックさと、それと相反するようなオーガニックさがこの楽曲を非常に純粋で美しいものに仕上げているように思えます。
ややもすればフルートのようにすら聴こえてくるその音色はどこまでも澄んでいますが、時に引きつるような残響を残し、リスナーの心を心地よさと不安の間で揺らし続けます。ポジティヴにもネガティヴにも寄り過ぎない、透明な響きが非常に美しいです。

ちなみに、この楽曲のいくつかのパートは後に『世の終わりのための四重奏曲』の一部としても使用されます。メシアンはこの幽玄な響きを気に入っていたのかもしれませんね。

なお、今作には『美しき水の祭典』だけでなく、メシアンの死後イヴォンヌ夫人が夫の残した断片的なスケッチを組み合わせて作成したという『未刊の音楽帳』と、モーリス・ラヴェルの『弦楽四重奏』第一楽章のオンド・マルトノ編曲verが収められています。
特にラヴェルの弦楽四重奏はメシアンとまた違った美しさがあり、かなり良い出来ではないかと思います。

現代音楽ということで敬遠する方もいるかもしれませんが、昨今のアンビエント・ミュージックのリスナーなどにはむしろ耳馴染みの良いサウンドです。ぜひ聴いてみてください。



↑この作品での演奏ではありませんが、動画がなかったのでこちらを貼っておきます。



La Fete Des Belles EauxLa Fete Des Belles Eaux
(2008/11/18)
Montreal Ensemble d'Ondes

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Jean-Pierre Rampal "Famous Flute Music"

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Artist: Jean-Pierre Rampal
Album: "Famous Flute Music"
Label: Warner Music
Year: 1995 (Recorded 1963-1973)

Tracklist
01-03. Bach: Sonata for Flute and Harpsichord in B Minor, BWV 1030 (17:00)
04-07. Handel: Sonata for Flute and HArpsichord in G Minor, Op.1-2 (7:55)
08-10. Mozart: Sonata for Flute in F Major, K.13 (9:17)
11-13. Krumpholtz: Sonata for Flute and Harp in F Major (12:24)
14. Debussy: Syrinx for Flute (2:27)
15-17. Poulenc: Sonata for Flute (11:47)
18. Fauré: Berceuse, Op.16 (3:00)


この世で最も優雅な響きを持つ楽器、というと個人的にはフルートが一番に浮かびます。
ふくよかな、どこかぼんやりとした低音の広がりと、鳥がさえずるように飛翔する高音を聴くたびにとても温かい気持ちにさせてくれる楽器ではないかと思います。

さて、この作品は20世紀を代表するフルート奏者、ジャン=ピエール・ランパルの演奏を集めたコンピレーションです。
バッハからフォーレまで、多様な作曲者がほぼ時代順に並んでおり、タイトル通り有名なフルート楽曲をこれ一枚で聴くことのできる、手頃な作品になっています。

ハープシコード(チェンバロ)やハープも交えながら、堅実な演奏を重ねていっている印象です。
例えばピアノのグレン・グールドのような一風変わった解釈というのは特にないように思えますが、ピアノやヴァイオリン、ブラスなどの華形楽器と比べ、注目されることの少ないフルートという楽器のニュートラルな魅力を存分に知ることができるように思います。

特に耳を惹かれたのはバッハヘンデルといったバロック期の音楽家の作品です。
どちらもハープシコードとの二重奏なのですが、対位法の魅力を存分に秘めた、二つの楽器の絡みが美しいバッハと、フルートの旋律をハープシコードが引きたてるヘンデルという、対照的な作風です。
フルート自体がハープシコード、ひいてはバロック音楽との相性が良く、非常に典雅な響きと美しい旋律は意識を17世紀に飛ばしてくれます。ある意味、アンビエント(笑)

また、邦題にも付けられたドビュッシーのフルート独奏曲'Syrinx'も素晴らしい。
無調の旋律がフルートの独奏により、静謐でありながらもどこか妖しい艶めかしさを持っており、非常に印象深い演奏になっています。

フルートの好きな方は必聴です。
分かりやすい曲が多いので、クラシックの入門にも良いかもしれません。






シランクス~フルート名曲集シランクス~フルート名曲集
(2000/06/21)
ランパル(ジャン=ピエール)

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Glenn Gould "Bach: The Well-Tempered Clavier"

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Artist: Glenn Gould
Album: "Bach: The Well-Tempered Clavier"
Label: Sony Music Entertainment
Year: 1962-1971(Recorded)

Tracklist
Book I
Disc 1. Prelude and Fugues No.1-12, BWV 846-857
Disc 2. Prelude and Fugues No.13-24, BMW 858-869

Book II
Disc 3. Prelude and Fugues No.1-12, BMW 870-881
Disc 4. Prelude and Fugues No.13-24, BMW 882-893

今回はクラシック・ピアノ。
梅雨のじめじめした時期ですが、休日の朝に聴くのにぴったりです。

バッハの演奏家としては、最早私みたいな素人が何をいわんや、というほどに伝説的なグレン・グールド。
彼が1962年から足掛け9年かけて録音したバッハの"平均律クラヴィーア曲集"の全曲を収録した四枚組です。
様々なジャケットで発売されていますが、私が持ってるのは2004年の仏盤のよう。まぁ、そんな事はどうでもよいのです。

有名曲なだけあって、この曲は様々な方が録音されていて、私もあとリヒテルの全集の方も持っています。

そもそもグールドは演奏中に唸ったり、バーンスタインなどと楽曲の解釈に関して熾烈な喧嘩(?)を繰り広げたりと「変人」で有名だった方のようです。そもそものデビュー作であるバッハの"ゴルトベルク変奏曲"(1956)にしたって、当時の人たちには仰天のハイスピード(なんと主題と30の変奏を38分程度で!)で発表し、賛否両論を得たとかなんとか(実はその後、70年代に日本人の高橋悠治がさらにハイスピードで録音してたりしますが笑)。

この楽曲にしてもその一風変わった曲解釈は顕著なようです。
勿論、私はそこまでクラシックに詳しくはないのでなんとも言えないところが大きいのですが、自分の所有しているものと比べてみると、リヒテルが流麗な音の連なりを構成して、ロマンチックに進めていくのに対し、グールドはスタッカートを多用するなどしてなんとも無機質な弾き方をしているように思います。

これがクラシック愛好家の逆鱗に触れた…のかどうか知りませんが、「グールドのは…」みたいな評価をあちこちで目にする気がします。

バロック時代の音楽というと、綺羅びやかで情感たっぷりなイメージがありますが、グールドのこの弾き方によって浮かび上がってくるのは「音そのもの」の綺麗さ。とてもストイックで、クールな魅力です。
梅雨の時期に合う、という理由もそんなところにあるのかな、と思います。



J.S. Bach: Well Tempered Clavier [Import]J.S. Bach: Well Tempered Clavier [Import]
(2004/03/29)
Glenn Gould

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