Prostitutes "Ghost Detergent"

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Artist: Prostitutes
Album: "Ghost Detergent"
Label: Spectrum Spools/editions Mego
Year: 2016

Tracklist
01. Nerve and Gall (3:19)
02. Chandeliers Shake (4:14)
03. Government Wrecker (2:46)
04. The Sting That Stung (2:25)
05. Pressure On The Haunted (6:18)
06. Skeptalepsy (3:18)
07. Pregnant Toad (4:36)
08. Cheap Amplifiers (4:03)
09. Fake Hawaiian Suit (3:36)
10. Served On The Floor (3:28)


eMego傘下のSpectrum Spoolsより、US出身のジェイムス・ドナーディオによるソロプロジェクトProstitutesの新作が発表されました。
2011年のデビュー以降コンスタントに作品を発表していたようですが、私は今作で彼の音に初めて触れ、そのあまりのラディカルさに驚かされています。

先行で公開されていた8曲目'Cheap Amplifiers'が割りとバキバキのテクノっぽさを醸していましたので(実際、収録曲の多くからそのような雰囲気は感じられますが)、今作を初めて再生する際に、どんな硬質なビートで幕を開けるかと期待していましたら、聴こえてきたのはなんともアジテーティヴでトライバルな、まるで生ドラムのような迫力あるビートだったのです。

実際、今作の多くの楽曲はシンプルでアジテーティヴなビートが先導するものです。
跳ねるような感覚の強いベースと絡まりながら、単調とも言えそうなほどモノトーンな反復を見せるそれは「洗練」などという言葉からは程遠いと言わねばなりません。
そこに重ねられるサウンドもSE/効果音的なものが多く、楽曲は緻密な計算に基づいてと言うよりは一つのアイディアから一筆書き的に生まれてきているような印象を受けます。
また、楽曲の急な切り替わり(ぶつ切りのように次の曲に移っていく)もあるため、作品全体がある種のコラージュのようにも聴こえ、HIPHOPで言うビート集のようなものにすら思えてくるのです。

しかし、このあえて「洗練」や「整合性」を拒否していくスタイルこそが彼の、あるいはこの名義の目的なのではないかと思います。
そもそも、本プロジェクト名であるProstitutesという単語からは、私がロックファンであるせいかもしれませんが、どうしてもあのThe Pop Groupの名曲'We're All Prostitutes'が、そして冒頭のトライバルなビートや、アルバム全体を覆う剥き出しのラフな攻撃性からはThe Pop Groupが分類されるポストパンク(ニューウェーヴで決してなく)の諸バンドが想い起こされてなりません。

もちろん、その生々しい音像からは昨今騒がれているロウテクノというタームも頭に浮かびますが、彼の音からはそれらの由来するストリートの感覚よりも、実験音楽/ノイジシャン的な哲学を感じます。
かといって全く観念的なわけでなく、力強くトライバルなビートに由来する肉体性にも支えられた、いうなれば「知性の宿った暴力」のような雰囲気が強いのがとても興味深いと、私は思うのです。


Andy Stott "Too Many Voices"

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Artist: Andy Stott
Album: "Too Many Voices"
Label: Modern Love
Year: 2016

Tracklist
01. Waiting for You (2:41)
02. Butterflies (4:23)
03. New Romantic (5:39)
04. First Night (5:44)
05. Forgotten (5:47)
06. Selfish (4:34)
07. On My Mind (6:16)
08. Over (5:03)
09. Too Many Voices (6:07)


UKにおいて今やベース・ミュージックは、かつてのUSにおけるブルーズのような側面を持ち始めているのではないでしょうか。

マンチェスター出身の電子音楽プロデューサー アンディ・ストットの新作の報とともに公開された'Butterflies'は、私達に新鮮な驚きを与えてくれました。
個人的に2010年代上半期のベストにも挙げさせていただいた"Luxury Problems"でも導入されていた「声」がより明確に「歌声」として用いられているのももちろんですが、何よりスッキリと音の粒が整理され、今までドロドロになるまで融解した爆音ベースが埋め尽くしていた空間がはっきりと認識できる、要はR&B的な方向に随分と振ってきたのがその大きな要因ではないかと思います。
個人的に、もっと前衛的で攻撃的でダークで、それでいてアンビエンスを孕んだ作風で攻めてくるものと思っていましたので、これにはかなり驚きました。

しかしながら、実際にリリースされたアルバムを聴いてみて思うのは、本作がUKにおけるベース・ミュージックの一つの側面に強くフォーカスした、そういう点で正に「UKのベース・ミュージック」と言える作品であるということです。
ベース・ミュージック、という曖昧な言い方を避けるならば、「ダブ」と言い換えてもいいと思いますが、それがどのような側面かと言いますと、まさにUK都市の閉塞感や虚無感を写しとった、音楽ジャンルではなく、シンプルに生きることに根ざした哀歌としての「ブルーズ」的な側面です。

今まで当blogでは、Burialの1stジェイムス・ブレイクの1stに潜むブルーズ性/要素について折にふれて言及してまいりましたが、それと同じものがストットの新作"Too Many Voices"からは感じられるように思えます。

本作では先に述べたように、また、タイトルが示しているように「声」が強くフィーチュアされています。
'Butterflies'のように明確な歌声として使われる場合もあれば、ピッチ操作を受けている場合もありますし、声として認識できるギリギリまで潰し、溶かされている場合も、また、バラバラに分解されてチョップ的にリズムの構成要素として使われている場合もありますが、それらは常に「人の体温」を感じさせます。

そしてその声には、今までの彼からすると随分とスッキリ整頓された音が組み合わせられています。
各音の輪郭が幾分はっきりとしており、ビート一つとっても「構築している」印象が強く感じられますし、80~90年代的な時代性を高音部に漂わせる電子音などは分かりやすくメロウなラインを辿ることも少なくありません。
そして、それらの音は空間を埋め尽くすことは決してなく、常に虚無的な「空間」や「空白」の存在をアピールしています。

さらに、それらの一つ一つは、ダブを根源とするセンスでもって変調をかけられています。
時にインダストリーに、時にメタリックに、あるいはキラキラと瞬くように空間の中で反響し、残響を漂わせるサウンドは、聴く者にどこか都会的な空虚さを感じさせることでしょう。
そしてそこでは、タイトル通り「あまりに多くの声」が重なり、浮かんでは消えていきます。
それらの声は聴く者自身に語りかけられているのではなく、ズタズタにされたり、融かされたりして、聴く者とはどこか関係のない空気を漂わせています。

まるで都会の喧騒のまっただ中で孤独に佇んでいるかのような印象を覚えますが、この点についてはジェイムス・ブレイクの1stが好対照として捉えられるでしょう。
あの作品においてブレイク自身の歌声は、オートチューンによってねじれながらも、アルバムに一貫した「主観的な感情」を付与し、聴く者が自己を投影するための指針を示していたと言えます。
対して今作は果たして何人にヴォイスを提供してもらったのかは判然としないものの、様々な操作で以ってそれぞれの声の同一性が瓦解してしまっており、聴く者はそのどれにも感情移入することができません。
まるで、都会の喧騒と虚無を延々と見せ続けられているような気分にさせられるのです。

しかし、これこそがUK都市に生きる者達が日々感じていることなのではないでしょうか。
自分が顧慮されない辛さ、それが打破できない閉塞感、そしてそれが自分だけの責任ではない、ある意味「押し付けられた」ようにすら感じられる不条理感。
ベース・ミュージックを始めとするクラブ・ミュージックはインスタントな気紛れを提供してはくれるものの、それらを真に解決してはくれません。

しかし、ストットは、というよりむしろUKの電子音楽家達は、そういった現状そのものをベース・ミュージックに持ち込み、表現することで、都市部に暮らす者達の(共同体の中で通用する互いの慰みとしての)ブルーズを創りあげようとしているように思えます。
それは、明確な意図でもってなされているものではなく、一部のミュージシャン達が漠然とそういう作品作りを志向しているだけのことなのでしょうが、それらが徐々に徐々に強まってきていることを、本作は示しているのかもしれません。

我々は、それが自分に常には向いていないとしても、「声」と折り合いをつけながら生きていくしかないのです。
本作において虚無を表現するための装置の一つである「声」すなわち「他者」と生きていくしかないという諦念=ブルーズこそが、ストットの表現したかったことなのではないでしょうか。

「あまりに多くの声」は、最終曲において、まるでゴスペルのような神聖な空気を作り出します。
「声達」は、受け入れてみれば案外我々に優しい…のかもしれません。


'Butterflies'


'Too Many Voices'

Kane Ikin "Modern Pressure"

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Artist: Kane Ikin
Album: "Modern Pressure"
Label: Type
Year: 2016

Tracklist
01. Partial (6:12)
02. Haze Shimmer (5:26)
03. Crosstalk (6:36)
04. Tap Tap Collapse (4:04)
05. Smoke Hood (7:11)
06. Auto Dialler (4:44)
07. Pulp (5:11)
08. Closer Closer (7:55)


オーストラリアはメルボルン出身のケイン・アイキンの新作がTypeよりリリースされました。
個人的には2012年に12Kより発表された"Sublunar"がとても印象深かったのですが、今作では"Sublunar"で志向されていたサウンドを踏襲している部分と、新たに盛り込まれた要素とがせめぎあい、非常に挑戦的な作品に仕上がったように感じます。

まず、1曲目'Partial'からして度肝を抜かれることでしょう。
まるで地獄の釜でも開いたかのような不穏な音響による導入の向こう側から、一気にダークなベースとトライバルなビートが迫ってきます。
非常にマシニックで硬質な音は、そこに絡められる種々のノイズやメタリックな音響と相まって非常にインダストリアルな印象を聴く者に与えます。

初めて聴いた時はかなりガラリと方向性を変えてきたように感じましたが、そもそも"Sublunar"の時点ですでにダブっぽい処理がありましたし、ダブそのものは80年代にインダストリアルと(主にポストパンク経由で)接続されています。
そう考えるならばこの変化も不思議ではないというか、元々アイキンの内にあった音楽的志向なのだろうと思います。

続く2・3曲目では”Sublunar"収録曲のように、シンセ音や電子音響に対してその残響を虚空に投げ込むかのような処理を施してスペイシー/コズミックな印象を創りだしています。

多かれ少なかれそういった”Sublunar”的な音処理はアルバムの随所で聴けますし、ストイックにミニマルな構造も手伝い、"Sublunar"のような自分のインナースペースに潜り込んでいくような思索的/内省的な感覚は今作でも存分に味わえます。

Typeからのリリースということで、Basic Rhythm "Raw Trax"と比べたくなりますが、デトロイト・テクノに立ち返る、ギラギラとしたストリート感覚をポストインダストリアルなテクノ・ミュージックに取り戻したあちらと比べると、こちらの方はポストインダストリアルの民族的/呪術的な側面にフォーカスをあて、あるいはアイキン自身のもつ思索的な空気を存分に反映させた作品のように思います。
(前者については、どこかオーレン・アンバーチの最近の作品を思い出したりもします。)

ラスト曲ではまるでYves De Mey "Drawn with Shadow Pens"のように音響彫刻的な曲で、8分弱たっぷり反復しながらベース音、メタリックなハット、怪しげなシンセ/音響で空間を満たしています。

全体的に見ればかなりヴァラエティに富んだ作風で、それでいてサウンドに一本芯の通ったところのある好盤であり、現在のTypeの方向性にも合致した職人的な一枚です。
個人的には結構気に入ってまして、年間とおしてちょいちょい聴き直すことになりそうです。


Basic Rhythm "Raw Trax"

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Artist: Basic Rhythm
Album: "Raw Trax"
Label: Type
Year: 2016

Tracklist
01. Raw Trax (Weekend Rush) (4:34)
02. Raw Basics (5:56)
03. Prototype (3:59)
04. Maintain (5:29)
05. Your Love (4:34)
06. Get Dark (4:36)
07. Feel Me (5:01)
08. Break It Down (4 Da Kru) (5:03)


Imaginary Forcesという名義での活動で現在注目を集めている、UKのミュージシャン アンソニー・J・ハートによる別名義Basic Rhythmの初となるアルバムがTypeよりドロップされました。
昨年、Imaginary Forcesの好評についてはちらちらと確認しておりましたが、作品を聴くまでには至っておらず、私自身は今作にて初めて彼の音楽に触れましたが、その衝撃というと凄まじかったです。

今作は、まずもってドラムンベースや2ステップ~ダブステップというUKベースミュージックの伝統に根ざした、それら直系の作品であることは間違いないと思います。
R&B/ソウル・ミュージックのマナーを想起させるヴォイスサンプル、ビートの頭を誤解させるかのようなひねくれたビートメイキングなどはまさにそのことを証明していると言えるでしょう。

しかし、私が今作を聴いて最初に思い浮かべたのはそれらでなく、むしろさらにそれらの源流であるデトロイト・テクノでした。
何がそう思わせたのか、というとやはり音と音との隙間に尽きるのではないかと思います。

今作には確かに複雑なリズム・プログラミングがあります。ヴォイス・サンプルや電子音響がある種の空気=アトモスフィアを形作るように配置されてもいます。
ですが、それらの音をあてがわれた後でもなおアンソニーの創る楽曲は見事なまでにスカスカです。
ヴォイス・サンプルも電子音も、ビート自体とはどこか別の次元で鳴っているかのような、ちぐはぐとした印象を感じさせます。
ビートは複雑ですが、それと同時に太い芯が一本通ったような強烈なパルス(拍節感)も持ちあわせており、かなり黒いミニマル要素を感じさせるのが、その乖離した感覚の原因かもしれません。

ドラムンベースをはじめとするUKのベース・ミュージックは、ビートの隙間を派手な/ノイジーな音響効果により埋め尽くそうとしてきた側面があるように思います。
元々がダブによる空間性の強調を面白がった部分があるので、それ(空間性)を活かす方向に進化してきた、ととることもできますが、やはり「空間」を聴き手に意識させるのにもっとも必要なのは「隙間=空白」の存在なのでしょう。音が響くためには壁(による反響)こそが必要であり、それを意識させるためには音の反響/残響が響いていることを聴き手が十分認識できる程度の空白は不可欠なのです。

アンソニーはそれをよく理解しているように思えます。
そして、それこそがダブ~レゲエも含めたブラック・ミュージック的な美意識なのであり、そこには当然デトロイト・テクノも含まれています。
そうであるからこそ、彼の音楽はUK的な空気を孕みながらもなおその源流であるデトロイト・テクノからの影響を強く感じさせるのではないでしょうか。

ここ数年ロウ・テクノ(Raw Techno)というサブジャンル(?)が世間を賑わせているようです。
同時代的な流行りに疎い身としてはなかなかそれらの音をリアルタイムで追いかけていることができていない部分はあるのですが、アンソニーの創る音楽はそのまっただ中にあるのではないか、という直感があります。
それは、Basic Rhythmという大胆不敵な名義の示す通り、あるいは先に上げたような「音の隙間」を大切にする姿勢が示す通り、UKベース・ミュージックはもちろんとして、その源流のデトロイト・テクノまで含めた「テクノ・ミュージック全般」を改めて見つめ直したがゆえの所作であり、発展途上のテクノが有していた粗くむき出しの(rawな)テクスチュアを彼が好み、愛し、表現し尽くしていることを示しているのではないかと思うのです。


[2017/03/27 追記]
ご本人の発言より、ガラージからの影響については明確に否定されているため文章を一部修正しました。


Fenton "Mythic Failures"

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Artist: Fenton
Album: "Mythic Failures"
Label: 12K
Year: 2016

Tracklist
01. Rubai (8:32)
02. Failure (A Fire of Plesure) (4:57)
03. Forces and Beliefs (5:55)
04. Osos (5:28)
05. Illuminate (1:59)
06. Blonde (2:24)
07. Blind (4:51)
08. Always There for You (4:47)
09. Wolf (7:37)


Shuttle358という名義で主に活動しているカルフォルニア出身のミュージシャン ダン・エイブラムスの、もう一つの名義であるFentonでの新作が12Kよりデジタルオンリーでリリースされました。
昨年は、Shuttle358の方での10年振りの新作がLPでリリースされておりましたが、こちらの名義も、前作が2005年の"Pup"ということで、かなり間をおいてのリリースのようです。

本作にあわせて"Pup"の方もデジタルでリイシューされましたが、そもそもShuttle358についても数年前より12Kからリイシューされており、エイブラムスがここ数年のテイラー・デュプリーのお気に入りであることは間違いないと思います。(私はまだShuttle358は未聴ですが…)

前作は「ポップミュージックの始まりと終わり(導入部と終結部)」を意識したという本人の言葉通り、音楽(特に名曲と呼ばれるもの)特有の「音でその場の空気が変わる瞬間」がアルバム一枚丸々通して味わえる名作でありましたが、その目的は今作でも変わっていないようです。

さて、このFentonという名義でエイブラムスがメインに扱っているのはギターです。
爪弾かれるクリーントーンのギターはとてもシンプルかつミニマルで、明確なメロディを生成するというよりは、ただ「音を連ねている」と表現したほうが適当であるように思います。
エイブラムスは、その音を変調させたり、あるいは別の音を重ねていきますが、そこには「楽曲を構成する/作曲する」という意識はあまり感じられません。
まるで子供がギターで遊ぶかのようにとりとめない音が続きますが、そこには明らかに彼がギターという楽器に対して抱いている愛着が感じられます。

彼はギターの音そのものが持つテクスチュアを、音そのものを変調させることや、別の音とぶつけたり共存させて対比させることで強調します。
曲からは起承転結が完全に排除されており、ぼんやりとした空気を維持し続けながらただ反復/持続していく音は聴き手の聴覚を研ぎ澄まし、アタックやサスティン一つ一つに注目(耳)するマイクロスコピックなリスニング経験を聴き手にもたらします。

また、ギター主体のエレクトロニカ/音響作家というと一にも二にもフェネスの名が挙げられると思いますが、エイブラムスの作る音は彼に比べると非常にアマチュア的/インディー的で、ローファイです。
重ねられる音が若干ラフで、レコードのプチプチ音のようなノイズを発していることもあってか、非常に密室性が高く、どこかアシッドフォーキーなサイケデリアも感じさせます。
あまり外界の存在を感じさせない、彼の内面がただ音となって漏れ出しているかのような感覚が、この名義での作品をとても愛らしいものにしているように思えるのです。

アンビエント、エレクトロニカ、ポスト・ロック…など、色々な言葉は思いつきますが、そのいずれにも回収できない、さらりとしていながらも強烈な独自性をもった作品であると言えるでしょう。
そして、それと同時に先日紹介したフェデリコ・デュランの新作と同様に、非常に12Kらしい牧歌性を楽しめる好盤(フィジカルじゃないけど)です。ぜひ聴いてみていただきたいと思います。


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