Bonjour "Bonjour"

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Artist: Bonjour
Album: "Bonjour"
Label: Cantaloupe Music
Year: 2016

Tracklist
01. Friday 3pm (6:48)
02. Wednesday (6:35)
03. Thursday Afternoon (6:02)
04. Sunday (9:18)
05. Monday Morning (8:04)
06. Thursday Morning (6:52)
07. Tuesday Noon around 12:21 (5:57)


フランス出身で、NYのブルックリンをベースに活動するベーシスト/作曲家フローレン・ジーズをリーダーとしたストリングス・バンドBonjourのデビュー作が、Bang on a Can主宰のCantaloupe Musicよりリリースされました。
このBonjour、チェロ、クリーン・トーンのエレキ・ギター、ベース、アルト・ベースといった4種の弦楽器と、ドラム/パーカッションという編成になっています。

ジーズとメンバー達はストリングス(とメンバー全員による声)をミニマルに反復していくことにより楽曲を形作っていきます。
彼らは非常に厳格で、装飾性を感じさせない程のストイックさでひたすら音を反復させていきますが、4本のストリングスとリズム、そして声が多層的にレイヤーされ、抜き差しされることにより楽曲はミニマル・ミュージックとは思えない程の表情を獲得しています。
ピンと張られた弦を擦る音そのものが孕む緊張感と、4つのラインが複雑に重なりあう緊張感とを全編にみなぎらせつつも、エレキ・ギターのドリーミーなサスティンやベースのドローンなどによりストリングス・バンド特有の浮遊感も持ち合わせた演奏はクラシカルでありながらも非常にポップです。
また、楽曲構造としても、ゆったりとではありますが和声的な展開を持たせており、非常に構築的な印象も同時に受けます。

そして、本バンドにおいて唯一ストリングスではない、ドラマーのオーウェン・ウィーヴァーが繰り出すリズムは一聴しただけでは(バンドの性格に合わせた部分も大きいのですが)シンプルで音数を絞ったプレイのように思えます。
しかし、そのビートの組み立て方からは昨今のインディー・クラシック/ポスト・ミニマルだけでなく、現代のジャズやHIPHOPなども視野に入れた、ポリリズミックで細かく分割されたリズム感覚を感じることができ、ストリングスや声のテクスチュアが強く漂わせるクラシカルな雰囲気をポップ・ミュージック的に聴かせる、橋渡しのような役割を担っているように思えます。

ミニマル・ミュージック(あるいは現代音楽)というとどうしても長く、退屈で、難解な印象を受けると思いますが、Bonjourのサウンド/演奏/楽曲は何度も述べている通り非常にポップで聴きやすいものです。
1曲あたり5~9分ということで、長すぎず短すぎず、ミニマルな演奏の醍醐味をポップ・ミュージックとして味わうにはちょうどいい曲の長さも職人的に思え、ジーズ本人の意識が単なる現代音楽/クラシックファンのみならず広汎なリスナーに向けられていることが窺える気がします。

「クラシカルなストリングス・バンド」と「現代的なポップ・バンド」、「現代音楽の系譜に連なるミニマル・ミュージックとしての先鋭性」と「ポピュラー・ミュージックとしてのとっつきやすさやレンジの広さ」などを折衷したような本バンドの在り方はまさにインディー・クラシックと呼ばれるシーンを代表するものだと思いますし、そうであるからこそこのデビュー作は、インディー・クラシックのこれからに対する期待を強くするのには十分すぎるほどによく出来た作品に仕上がったのだと思います。
このシーンを追いかけている方にとってはマストとも言える作品でしょう。


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David Lang & Los Angeles Master Chorale "the national anthems"

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Artist: David Lang & Los Angeles Master Chorale
Album: "the national anthems"
Label: Cantaloupe Music
Year: 2016

Tracklist
01-05. the national anthems
01. our land with peace (5:24)
02. our hearts are growing (2:30)
03. fame and glory (5:41)
04. keep us free (4:37)
05. our common fate (4:53)
06-20. the little match girl passion
06. come, daughter (3:24)
07. it was terribly cold (3:06)
08. dearest heart (0:54)
09. in an old apron (1:17)
10. penance and remorse (1:37)
11. lights were shining (1:33)
12. patience, patience! (0:31)
13. ah! perhaps (2:03)
14. have mercy, my God (4:30)
15. she lighted another match (1:23)
16. from the sixth hour (2:26)
17. she again rubbed a amatch (1:39)
18. when it is time for me to go (2:43)
19. in the dawn of morning (2:42)
20. we sit and cry (3:30)


Bang on a Canの設立者の1人であり、現音楽ディレクターのデヴィッド・ラングによる新作は、2014年に初演された'the national anthems'(『様々な国歌』)と、2008年にピューリッツァー賞を受賞した'the little match girl passion'(『マッチ売りの少女の受難』)の、LAのコーラスLos Angeles Master Choraleと弦楽四重奏のCalder Quartetによる録音です。

以前、マサチューセッツの男女混声合唱団Roomful of Teethがメインを務めた"The Chorolado"を紹介させていただきましたが、今作はレーベルこそCantalopue Musicという、インディークラシック付近のレーベルではあるものの、1964年設立の由緒正しい大合唱団L.A.マスター・コラール(現メンバーはなんと120名とか)による演奏であったり、あるいはその音楽の様式などからするといわゆる王道の(?)クラシックと見做したほうが適当な気もします。
唯一、現代の作曲家による楽曲という部分が現代的といえるのでしょうか?

さて、本作収録の2曲は、どちらも30分前後の大作となっております。
'the national anthems'は世界の国歌を蒐集し、その構想やフレーズを引用することで作り上げられた楽曲で、対する'the little match girl passion'はその題目の通りアンデルセンの『マッチ売りの少女』を題材に、バッハの『マタイ受難曲』からインスパイアを受けた楽曲であるとのことです。
時代の違うもの(複数の国歌やバッハとアンデルセン)を掛け合わせるとういうその作曲手法こそサンプリング的(=現代的)ではありますが、実際に出来上がった楽曲そのものは非常にクールかつスピリチュアルで、まとまりのあるものであるように感じます。

そして、L.A.マスター・コラールは"The Chorolado"のRoomful of Teethのように熱狂的なパフォーマンスを聴かせるというよりは、楽曲の構造や狙いに対する深い理解に根ざした、統率のとれた歌を聴かせてくれているように思います。
高音部を力強く響かせるようなシーンも散見できますが、あくまで楽曲の展開上の要請で必要なことを必要な加減で行っているうような雰囲気で、そのようなシーンでも抑制の効いたクールな歌唱を崩すことはありません。

打楽器も入らず、伴奏も弦楽四重奏のみという構成がよりその印象を引き立てることで楽曲は見事な霊性を帯びていきます。
バッハに影響を受けたことがあってか、どちらの楽曲も非常に対位法的なポリフォニーを作り上げていますが、ただバロック風になってしまうことなく、音響的な側面での美しさにも耳が惹かれます。
今作においては、ハーモニーの複雑さが、ポスト・クラシカル的なテクスチュアへの微視的な注目を煽るような部分につながっているのです。

ラング自身、今作のテーマについて、人間同士が慈しみ合うことや意識しあうことというようなことを語っていますが、そのテーマそのものは楽曲の物語性から生まれるのではなく、複数の要素が当然のように混在する、楽曲の在り方そのものによって表現されているのかもしれません。
そして、複数の要素の混在は、楽曲におけるハーモニーの多層化という現象に帰結し、現代(ポスト・クラシカル)的な魅力を生まれさせているようにも思えます。

個人的にはヨハン・ヨハンソンやマックス・リヒターに似た印象を受けながら聴いているのですが、もしかするとこの聴感上の印象はそんなところに起因するのかも、などと思っています。
メロディそのものは非常に美しく、アンビエントや電子音響ものが好きな方にも何か引っかかる部分があるのではないかと思いますので、ぜひ聴いてみてください。


Various Artists "The Colorado: Music from the Motion Picture"

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Artist: Various Artists
Album: "The Colorado: Music from the Motion Picture"
Label: New Amsterdam/VIA Recirds
Year: 2016

Tracklist
01. Beginnings (6:15)
02. A Parade, A House, A Telescope (7:37)
03. An Unknown Distance Yet to Run (6:37)
04. Shimmering Desert (6:32)
05. The Colossus (5:26)
06. Cathedrals in the Desert (6:42)
07. El Corrido de Joe R. (5:05)
08. Welcome to the Anthropocene (4:34)
09. Palette of a New Creation (5:58)


人の声/肉声というものは特別な力を秘めています。
声というものが調律された楽器(あるいは、されていないものであったとしても)から生じる楽音とは全く異なる、そしてはるかに強烈な印象を与える力を持っていることは、音楽を聴く者であれば誰しもが感じることだと思いますし、その印象は声が発せられるときに殆どといっていいほどに伴われる「言葉/意味性」について、考慮から外して考えたとしても間違いないことでしょう。

2009年に結成されたRoomful of Teethは、男女混声合唱団という形態からも分かる通り、肉声/歌声というものの限界に挑み、そのスリリングな魅力をリスナーに提示してくれています。
そして、ドキュメンタリーフィルム『The Colorado』のサウンドトラックである本作は、彼らの試み/挑戦がより広汎に世に問われる契機となる作品ではないかと思います。

そもそも彼らは、2012年にセルフタイトル作でレコードデビューし、昨年には第2作目"Render"を発表しました。
私自身どちらもまだ聴けていないのですが、特に第2作ではグラミー賞を受賞するなどしたこともあり、彼らに対する評価の機運、そして期待は現在正に最高潮を迎えていると言えるでしょう。

今作では5名の作曲家のペンによる楽曲を彼らが実演しています。
その内の1人はなんとWilcoのドラマーでありシカゴインディシーンの重要人物(最早大御所?)のグレン・コッチェで、彼はパーカッション担当として演奏にも参加しています。
その他はチェリストのジェフリー・ツァイグラー(ツィーグラー?Jeffrey Zeigler)と、7曲目ではバンジョー奏者のジェイムス・ムーアが参加しています。

合唱・チェロ・パーカッション(+バンジョー)という編成なのですが、ここで表現されているハーモニーは非常に豊かで、そして何よりもポップで聴きやすいです。

楽曲は昨今のインディークラシックの例に倣い、ミニマルな反復を基本としながら進んでいきますが、8人の団員は殆どの場面でソリストも含めて3~5程度の声部(まさに「声」ですが笑)を重ねており、非常にポリリズミック/ポリフォニックな響きが全編で聴かれます。
これだけの歌声が重なる様は凄まじく強烈ですし、フレーズによっては非常に現代音楽的な調性(というか無調というか?)もあって、Roomful of Teethの合唱だけだとややもすれば取っ付きづらいというか、刺激が強すぎるところがあるかもしれません。

しかしながら、ツァイグラーのチェロがそこにさらなるテクスチュアを加えたり、あるいはコッチェのパーカッション(恐らくエレクトロニクスも彼だと思いますが)がリズム面のガイドラインをより分かりやすく提示することで楽曲はポップソングとしての機能性も備えていきます。
特にコッチェは大活躍といった雰囲気で、声の重なりに彼のミニマルなパーカッション/エレクトロニクスががっぷりと組み合わさることでより強く楽曲が進行していく感覚を覚えるシーンが非常に多いです。
また、多彩な音色を使い分けることで、合唱とパーカッション/エレクトロニクス、チェロだけとは思えないオーケストラルな力強さを生み出すことにも成功していると思います。

そして、彼らの好サポートによりRoomful of Teethの歌声はより一層魅力的に、力強く響いていますし、それは反対にコッチェらの楽音や電子音の魅力をも引き出し、相乗的に音楽的な深度を深めています。
そしてその様子は、本作において彼らが、最終曲のタイトル『新たな創造のパレット(Palette of a New Creation)』が示す通り、合唱と楽音、電子音という要素を様々な比率で融け合わせ混交させながら、大衆を無視する小難しい前衛/実験音楽とも、反対に大衆に阿るポピュラー・ミュージックとも違う、非常に意義深く魅力的な新たな音楽を作り出していることを証明しているのではないかと思うのです。


Dal Niente & Deerhoof "Balter/Saunier"

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Artist: Dal Niente & Deerhoof
Album: "Balter/Saunier"
Label: New Amsterdam
Year: 2016

Tracklist
01. meltDown Upshot: 1. Credo (4:48)
02. meltDown Upshot: 2: Parallel Spaces (2:33)
03. meltDown Upshot: 3. Ready (3:19)
04. meltDown Upshot: 4. True/False (1:50)
05. meltDown Upshot: 5. Home (3:51)
06. meltDown Upshot: 6. Cherubim (2:42)
07. meltDown Upshot: 7. Rapture (4:25)
08. Pois que nada que dure, ou que durando (4:52)
09. Deerhoof Chamber Variations (20:40)


インディー・クラシックを掘ってみよう企画(?)後編。
今回は先日紹介したフィンネガン・シャナハンのデビュー作と同じくNew Amsterdamより4月末に発表された、楽団アンサンブル・ダル・ニエンテとロック・バンドDeerhoofのコラボ盤です。

シカゴ・トリビューン誌において「現代音楽が追求するものを体現する楽団(a model of what contemporary music needs)」と評されたダル・ニエンテとDeerhoofとの交わりは、2012年のシカゴ・ミレニアム・パークでの共演にまで遡ります。
その共演以降4年の歳月をかけながら彼らはその結びつきを強固なものへとしていったのであり、今作はその交流が実を結んだ結果と言えるものであることは間違いないでしょう。

さて、本作ですが、実はある点において先日紹介したフィンネガン・シャナハンの作品と共通する、そして相反する作品でないでしょうか。
どういう点が共通し、また相反するのかと言いますと「スモールコンボ(バンド)と多人数の楽団との関係性」という部分ではないかと思うのです。

シャナハンの作品のレビューのおいて、「多くの楽曲においてシャナハン、ギター、ベース、ドラムという最小単位のバンドを核として、そこにオーケストラルなラインを絡ませている」ということを述べました。
コンテンポラニアスという楽団を率いての作品という形ではありましたが、その中でも演奏の核となるバンドとそこに絡んでいく楽器群という二項の役割分担が楽団内でなされていたように思うのです。

対する本作"Balter/Saunier"は、ダル・ニエンテという楽団にDeerhoofというロック・バンドが合流した、という経緯からしてシャナハン作品の在り方に似た部分があるのではないかと思いますが、あちらのような役割分担でもって楽曲を構築してくのではなく、"Dal Niente & Deerhoof"という一つの楽団として演奏にあたっている印象が非常に強いです。
これはやはり、元々別々のユニットが長い年月をかけて交流してきたという経緯から生まれたものなのでしょう。

アルバムは、ブラジル人作曲家マルコス・バルターによる組曲'meltDown Upshot'と小品1曲、そしてDeerhoofのグレッグ・ソーニアによるDeerhoof楽曲の室内楽アレンジメドレーという3曲の構成になっています。
いずれもダル・ニエンテとDerrhoofによる一糸乱れぬ演奏が楽しめるものばかりですが、やはり注目すべきなのは組曲'meltDown Upshot'でしょう。

女性ヴォーカル&コーラスによる愛らしくもゴシカルな歌声、ポスト・クラシカルにも通底するような静謐なアンビエンスや、フリー・ジャズの狂騒、ポスト・ミニマルのループ感覚、そしてロックバンドによるサイケデリックなディストーションの咆哮などの要素が巧みに配置され、組み合わされることで幻惑的に進んでいく演奏は、べたついた感傷にも興の冷めるような自己満足的な前衛にも陥ることなく慎重に、それでいて力強く楽曲を前進させていきますし、先述した様々な要素の要請の通り全てのプレイヤーに見せ場が与えられてキビキビと動く楽団(とDeerhoof)の様子にはすっきりとした爽快さすら感じます。
現代音楽的な要素の強い、ポエムの朗読作品的な小品をはさみながら、その魅力はラストの'Deerhoof Chamber Variations'でも存分に発揮されています。

シャナハンは"The Two Halves"の制作に際して、元々一つのものであった楽団に対して極めて論理的に役割分担を考案し、実践したのだと思います。
そのことはあの作品が明快な、理路整然とした雰囲気を強くまとっていることからも明らかですが、ロックバンドと楽団という2つの別の存在が一つになった今作"Balter/Saunier"ではそれとは真逆の方法論が試され、一つの見事な実を結んだと言えるでしょう。

そして、リスナーの一人として思うことは、これがこのコラボレーション/蜜月の最終報告ではなく、経過報告であってほしいということです。
ぜひとも次回作に期待したいですね。


Finnegan Shanahan "The Two Halves"

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Artist: Finnegan Shanahan
Album: The Two Halves
Label: New Amsterdam
Year: 2016

Tracklist
01. The Platelayers (6:39)
02. The Great Sunstroke (4:39)
03. The Exile (5:01)
04. The Giant Sleep (5:14)
05. The Two Halves (4:41)
06. The Azimuth (7:58)


当blogでは以前ダニエル・ウォールの"Holographic"のレビューにおいて、現在インディー・クラシックと呼ばれて賑わいを見せている界隈の音楽の特徴が「構造(コンストラクチュア)」を志向している(あるいは、そういった部分に作曲の根本的な動機がある)ところにある、という旨のことを書きました。

改めてインディー・クラシックを、ということで遅ればせながら同じくNew Amsterdamから2月に発表された、フィンネガン・シャナハンのデビュー作"The Two Halves"を聴いたのですが、これがまた素晴らしく良くて驚いています。

さて、今作を一言で表すとするなら、とてもポップな作品であると言えるでしょう。
シャナハンの他には指揮者も含めて14人の楽団コンテンポラニアス(Contemporaneous、シャナハンも創立に関わっているとのこと)が演奏を担当していますが、多くの楽曲がシャナハンとジェイク・チャップマン(エレキギター)、パット・スウォーボーダ(ベース)、マット・エヴァンス(ドラムス)という最小単位のバンドを核として、そこにオーケストラルな様々な楽器の描くラインを絡ませるというような手法をとっています。

各楽器には時にミニマルに反復して軋むように、あるいは駆動系のように前進する他、主にストリングスがサスティンによってうっとりするような空気を醸したり、あるいはブラスがヴァンプにより聴き手を鼓舞するような力強いアタックを聴かせたりします。
中心となるバンドの音は非常にシンプルでソリッドですが、ドラムにはかなり細かい譜割りで叩いているような感触もあり、リズム/ビート的にもなかなか興味深い点があるように思いました。
また、エレクトロニクス/サンプリング担当メンバーも1名おり、オーケストラルなテクスチュアだけでなく、電子音楽っぽい実験的なテクスチュアを匂わす場面も散見できます。

それらの音は非常によく整理されたうえでポリフォニックに重ねられ、豊穣な音楽世界を形成しています。
全体的には60~70年代のソフトロックや、あるいはチェンバー・ロック的な空気を強く感じますが、あちらがいわばフォーク・ロック/サイケデリック・ロックを起点として室内楽的な要素を装飾として用いたのに対し、シャナハンの音楽はよりこなれていて自然です。
それでいて、大所帯の楽団の演奏が複雑に絡み合うことで生まれる緊張感もあり、緩急どのシーンにおいても理路整然とした、明快な雰囲気が感ぜられます。

いわゆるポップソング的な、ヴァース/コーラス/ブリッジという単純な繰り返しは避けつつも、決して風呂敷を広げすぎず、どんなに長くても8分以内には楽曲を終わらせるという部分には22歳の若者らしからぬ熟練したものを覚えますが、そのあたりは恐らく彼のアカデミックな知識や志向といったベースの部分が強固であることの証明に他なりません。

今回は30分強のEP的な作品ですが、十分すぎるほどに聴き応えのあるものに仕上がっていると思います。
ぜひとも、フルレングスでコンセプチュアルな作品を作ってみてもらいたいものです。


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