Gábor Lázár "Crisis of Representation"

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Artist: Gábor Lázár
Album: "Crisis of Representation"
Label: Shelter Press
Year: 2017

Tracklist
01. Crisis of Representation 1 (4:24)
02. Crisis of Representation 2 (4:12)
03. Crisis of Representation 3 (4:20)
04. Crisis of Representation 4 (4:19)
05. Crisis of Representation 5 (2:57)
06. Crisis of Representation 6 (3:51)
07. Crisis of Representation 7 (9:04)
08. Crisis of Representation 8 (4:41)


イメージを想起させるような視覚的な音、という表現がなされた作品は今までにも多くありましたが、ブダペストを拠点に活動するガボール・ラザールによる新作"Crisis of Representation"ほどその表現が適切な作品はないのではないでしょうか。
むしろ、彼が今作で鳴らす音は、まるで視覚情報をそのまま聴覚情報に変換しているかのような錯覚すら覚えるほどに立体的で、そしてまた、ソフィア・ボーダによる(本当の視覚情報であるところの)アートワークのように透き通っています。

本作は2011年から2016年までの間に録音されたマテリアルを集めたものということですが、これらの音の間に5年もの歳月が横たわっているとは到底思えないほどに音の質感は統一されています。
先ほど「アートワークのように」と表現しましたが、本当に特徴的な音でして、水晶のような透徹とした雰囲気を持ちつつも、3D映像のように非物質的で(なのに)立体的、というなんともSFチックな響きのテクスチュアでもってアブスラクトなテクノ・ミュージックを形作る様には、どこか"Gantz Graf"以降のautechreへの類似性を感じます。
そういえば、あちらは聴覚情報をそのまま視覚情報に変換したかのようなMVが制作されていましたね。

楽曲そのものはautechreほど破壊的ではなく、アブストラクトでありながらもどこか「ノれる」ものに仕上がっています。
鋭角なビートがスクリューされ、引き伸ばされつつミニマルにリズムを刻む様子はアートワークのような3Dイメージが自由自在に動き、変化しているかのようでもあります。

レーベルのインフォによると「ただ一種類の特徴的な音色と、わずかな作曲技法(only one type of characteristic sound and a few composition techniques)」で本作は構成されています。
すなわちこの作品は、とにかくただこの音のテクスチュアのみを楽しむためのものなのです。
「音響派」なんて定義の曖昧なタームが過去にありましたが(というか便利なので未だに言っちゃいますけど 笑)、ただ音のテクスチュアだけを押し出した本作こそ、正に「音響派」の名作といっても過言ではないでしょう。


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Shackleton with Ernesto Tomasini "Devotional Songs"

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Artist: Shackleton with Ernesto Tomasini
Album: "Devotional Songs"
Label: Honest Jon's
Year: 2016

Tracklist
01. Rinse out All Contaminants (7:38)
02. You are the One (13:06)
03. Tweleve Shared Addictions (12:27)
04. Father, You Have Left Me (10:17)


UKのベース・ミュージックが、現代UKのブルーズであるとするならば、Shackletonはそこから一定の距離をおいて自身の音楽をストイックに追求してきたといえるでしょう。
実際、蠢く低音とシンバルを融解させるリヴァーブの中でヴォイス・サンプルを細切れにし、狂気的にねじらせて都市生活者の苦悩を表現するベースミュージックのマナーから外れ、トライバルで有機的なビートと呪術的なドローン、そして呪文のようにつぶやかれるヴォイスにより忘我的あるいは祝祭的(ダークではありますが)な雰囲気すら漂わせるような独特のアプローチを彼は常に見せてきたと思います。

今作でShackletonは、イタリアの前衛歌手/俳優のエルネスト・トマシーニをメイン・ヴォーカルに迎えたうえ、さらにアルバムタイトルに"Devotional Songs"(「祈祷の歌」?)と冠して、見事な歌曲を作り上げています。
今まで彼の作品で聴かれた、(そして彼をかろうじてベースミュージックの範疇に関連付けていた)低周波のように蠢くベースは今作では聴かれません。

その代わりにここで前景化しているのは民族風のトライバルなビートや、ラファエル・マインハートによるマリンバ/ヴィブラフォン、日本人演奏家のモトカワタクミ(漢字が分かりません)によるアコーディオン/キーボード、そしてShackleton自身による近未来的な感触を匂わせる電子音です。
メンバーを見るとかなり生演奏の占める部分が大きいように思いますが、サウンドの方でも、もはやベース・ミュージックというよりもニューエイジと言った方が適当にすら思える「軽妙さ」と「心地よさ」がアルバム全体に横溢しています。

ただ、これが急激な方向転換かというとそうではなく、これらの音は今までもさりげない形で、しかしながら大胆に用いられてきていたと思うのです。
特にHonest Jon'sから2012年に発表されたダブルアルバムの内の1枚"The Drawbar Organ EPs"などにはすでに今作に向かうような空気が感じられます。

トマシーニはまるで司祭のように振る舞いながら時に呟き(冒頭などCurrent93のデヴィッド・チベットのよう!)、朗々と歌いますが、アルバムや楽曲のタイトルから感じる神々しい雰囲気はあまり感じられず、Shackletonとメンバーの生み出すサウンドも相まって、民族的な儀式のような妖しげな雰囲気と、レトロフューチャリスティックなSF感との間をふらふらと行き来するような浮遊感を感じさせます。

そもそも、冒頭でも述べたように彼の音楽は元々忘我的かつ祝祭的で、一種のサイケデリックな感覚を常にまとっていました。
今作を「サイケデリック」と表現するのはちょっと違うような気がしますが、今までの彼と同様に忘我的な作品に仕上がっているのは間違いありません。
そしてそれは、彼の求めているものがベース・ミュージックのブルーズとは明らかに違うことの証明に他なりません。
今回彼は、生演奏を大々的に導入し、さらにヴォーカリストまで加えることでそのことをはっきりさせ、今や彼の音楽がベース・ミュージックの範疇のみで語られるべきでないことを改めて示したのかもしれません。

今作が、単なる一過性の試みとなるか、それともここをステップとしてより孤高の音楽を形成していくのかは彼のこれからの活動を待つしかありませんが、その時にこの一風変わった雰囲気をまとった作品がどう捉えられるのか、今から楽しみな気がします。


Aphex Twin "Cheetah EP"

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Artist: Aphex Twin
Album: "Cheetah EP"
Label: Warp Records
Year: 2016

Tracklist
01. CHEETAHT2 [Ld spectrum] (5:53)
02. CHEETAHT7b (6:43)
03. CHEETA1b ms800 (0:27)
04. CHEETA2 ms800 (0:37)
05. CIRKLON3 [Колхозная mix] (8:13)
06. CIRKLON1 (7:17)
07. 2X202-ST5 (4:39)


2014年、"Syro"での華々しい復帰以降、コンスタントに作品を発表してきたAphex Twinことリチャード・D・ジェイムス。
昨年はAphex名義による実験的なEP"Computer Controlled Acoustic Instruments Pt.2"とAFX名義での復帰作"Orphaned Deejay Selek 2006-2008"という2作をリリースしましたが、およそ1年程度のスパンで出された今作"Cheetah EP"はその名の通り英Cheetah社が90年代初頭に発売したシンセサイザーCheetah MS800とSequentix社のシーケンサーCIRKLONにフォーカスしたものとなりました。

リチャードはこのシンセサイザーの独特の音色にご執心らしく、本作の宣伝フライヤーでは、「Cheetah社のシンセで良い作品ができたらWarpまで送ってほしい」と宣言している他、本作にCheetah MS800のデモンストレーション的な楽曲(3・4曲目)まで収録しているのですから、その熱の入れようといったらありません。

さて、本作の内容について言えば、"Syro"でも聴かれた、洗練された楽曲構築が相変わらず見られます。
うねうねと動くアシッドなベースライン、虚無的なアンビエンスを纏いながら冷ややかに漂うウワモノなどの以前からの作品でも見られた要素はより精度を増してより印象的に響いていますが、今作で注目したいのはなんといってもリズムだと思います。

思えば、これまで(特に95年の"... I Care Because You Do"以降)の彼の音楽において、ビートは非常に複雑に構築されていました。
それは"Syro"でも(ある程度シンプルになったとはいえ)聴かれていた要素だと思いますが、今作では逆に簡素なビートが並んでいます。
それこそ「ドリルンベース」なんて言われていた時期からするとシンプル過ぎて素人かと思うほどです。

しかし、それはシンプルであるからこそ独特の心地よさを生み出しています。
ビートとビートとの間にたっぷりと設けられた空白に雄弁に語らせるかのようなビート構築には黒いファンクネスが溢れており、彼の音楽に今まで感じられなかったセクシーな印象を覚えます。
そこにさらにCheetah MS800というヴィンテージ・シンセの音がかぶさることで、まるでニューウェイヴ/ニューロマンティック全盛期のように妖艶な雰囲気すら感じますが、まさかリチャードにこういうセンスがあるとは、とここにきてまた驚かされました。

もちろん、先行で公開された5曲目などは今までの狂気的な/何を考えているのか分からない雰囲気も漂っていますが、根本的にはリスニングテクノ/IDMというよりはより原型的なテクノだと思いますし、そうであるがゆえの享楽性みたいなものがアルバム全体を覆っています。

そう思ってみてみると、デザイナーズ・リパブリックによる、なんともバレアリックでディスコティックなジャケットが本当に今作にはフィットしています。
最初は何かのジョークかと思いましたが、実際に本作を聴いてみるとこのジャケットそのままのイメージの音だと思うようになりました。

リチャードの音楽的なバックボーンについては相変わらずはぐらかされて分からない部分も大きいと思いますが、その1つとしてデトロイトテクノやディスコ、さらにはニューウェーヴがあるというのはなんとなく想像のつくところだと思います。
本作は今までのどの作品よりも素直に、そういった原点に回帰した作品、ととることができるのではないでしょうか。
次はどんな手を打ってくるのか、まだまだリチャードから目を離すことはできなさそうです。


Raime "Tooth"

raimetooth.jpg


Artist: Raime
Album: "Tooth"
Label: Blackest Ever Black
Year: 2016

Tracklist
01. Coax (4:10)
02. Dead Heat (4:35)
03. Hold Your Line (4:28)
04. Front Running (4:24)
05. Dialling In, Falling Out (4:57)
06. Glassed (5:15)
07. Cold Cain (4:58)
08. Stammer (4:47)


UKにおいて、70年代後~80年代はロック(パンク)とレゲエ/ダブとの蜜月とも言うべき時代だったように思います。
The ClashやThe Policeなどを始め様々なロック・バンドがレゲエ的な手法を取り入れ、あるいは自身の楽曲をダブ・ミックスしました。

それはいわゆるポスト・パンクと呼ばれたバンドたちに特に顕著な志向であり、The Pop GroupやThe Slitsなどから始まった流れはエイドリアン・シャーウッドとも合流し、New Age SteppersやDub SyndicateなどのON-U Soundsの各ユニットを経て、ニュー・ルーツ(UKにおけるレゲエのレベル精神/ラスタファリズムの再発見)を呼び覚ましました。
一方でダブの手法は独立してインダストリアルミュージックと接近することでクラブミュージック(EBM)と交じり合い、ドラムンベース/ジャングルから2ステップへ、2ステップからダブ・ステップへと流れていきます。(ニュー・ルーツがデジタル楽器を使用したことも関係は深いと思いますが)

後者の流れは近年ではポスト・インダストリアルと呼ばれるような、硬質/無機質でマシニックなビートや、ダークなアンビエンスを絡めた志向を見せていましたが、これはある意味で先祖返りと呼べるような流れではないか、と個人的には感じています。
そして、ロンドンを拠点に活動するベース・ミュージック・デュオRaimeはそこからさらに一歩踏み込み、我々にロックとレゲエ/ダブの蜜月を思い出させるようなサウンドを新作"Tooth"で聴かせます。

元々かなりストイックなミニマリズムと、呪術的なダーク・アンビエンスに裏打ちされた不気味な楽曲を得意としていた彼らですが、今作ではその雰囲気はそのままに、ギター(風?)のテクスチュアを全編で用いています。(前作でも少しだけそれっぽい音が使われていはいましたが)

ペナペナとした、クランチ気味の単音はシンプルなフレーズを執拗に繰り返します。
その音は、これ以上になくヘヴィにボトムを支える低音が見せる音程の推移と同期して、楽曲の持つダークでゴシカル/オカルティックな雰囲気を強化していますが、それ以上に、トリッキーに刻まれるビートと絡まって、有機的/肉体的とすら思える緊張感をはらみ続けます。

その音がいつノイジーに変貌し、暴力的な爆発を見せるかとハラハラしながらアルバムを聴き進めるリスナーも多いでしょう。(私はそうでした)
しかし、結局のところそんなことは起こらず、アルバムは呪術的な緊張感を燻らせ続けたまま幕を閉じるのです。

ざっと聴いた感触では、1stの"Quarter Turns over a Living Line"のおどろおどろしい、深淵のような音楽性はやや薄れているように感じられるかもしれません。
しかし、このアルバムの醸す居心地の悪い緊張感、そしてそれが爆発することなくくすぶり続ける寸止め感には特筆すべきものがあります。
そしてそれらの全ては、今作で大々的に導入されたギターサウンドと、その音が彼らの音楽に呼び込んだ肉体性(=ロック的な要素)にこそあるのではないかと思うのです。
そう考えると、"Tooth"というアルバムタイトルのもつ原始的/野性的なイメージはどことなく初期のThe Pop GroupやThe Slitsのイメージにもつながっていくような気がします。

確かに、ここに現れているのは当時のような苛烈なレベル・ミュージック然とした意識でなく、現代的な閉塞感・諦念の空気かもしれません。
それでも、ギターサウンド(とビート)が生み出す肉体性が、この音楽にどこか「踊れそうな」雰囲気を付与していると思いますし、それはもしかしたら、根底の部分でポスト・パンクの時代の精神とつながっているのかもしれないと、なんとなく思えるのです。


Second Woman "Second Woman"

secondwomanst.jpg


Artist: Second Woman
Album: "Second Woman"
Label: Spectrum Spools
Year: 2016

Tracklist
01. 100407jd7 (4:07)
02. 200601je6 (6:01)
03. 300528mj1 (5:28)
04. 400425cc2 (4:25)
05. 500609sp3 (6:09)
06. 600249li9 (2:44)
07. 700358bc5 (3:58)
08. 800438ul8 (4:38)
09. 900438an4 (4:38)


telefon tel avivのジョシュア・ユースティスとBelongのターク・ディートリッヒによる新プロジェクトSecond Womanが、先日Spectrum Spoolsより発表したセルフタイトルのデビュー・アルバムは、リズムや音響・ノイズが自由自在に伸縮することにより、グルーヴが絶えず生成・崩壊を繰り返す、アブストラクトなビート・アルバムとなりました。

2009年にttvでの相棒チャールズ・クーパーが亡くなって以降、ジョシュアは自身のサイド・プロジェクトSons of MagdaleneやThe Black Queenで活動する他、Nine Inch Nailsや、Toolのメイナードのサイド・プロジェクトPusciferといったUSのオルタナティヴ・ロック・バンドに参加するなど、精力的に活動を続けてきました。
今回、彼が相棒に選んだのはフェネスや、ティム・ヘッカー以降のシューゲイザー/エレクトロニカな音を鳴らすユニットBelongのターク・ディートリッヒです。

アルバムは、作品全体を象徴するようなトラック'100407jd7'からスタートします。
ミニマルに繰り返されるパルス音が加速/減速を繰り返すこの曲を始めとして、本作の多くの楽曲(特に前半に顕著)では一定のBPMを感じることが困難です。
また、非常に多くの音がレイヤーされ、多層化していますが、それぞれのリズムの関係性もかなりギリギリ(という表現が合っているかどうか分かりませんが)な部分が散見でき、場合によってはリズムそのものが崩壊しているように聴こえる部分も散見できます。

しかしながら、そこにはやはり一定のグルーヴが存在しています。
その、分かりやすいサンプルとなるのは2曲目の'200601je6'です。

トンガッた電子ノイズのような打音から始まるこの楽曲は、様々なリズムトラックを組み合わせてビートを形成していますが、音の種類が雑多なためか、拍子があまりに細かすぎるためか、最初は物凄くフリーキーでアヴァンギャルドなビートに誤解してしまうことでしょう。
しかし、楽曲の途中で現れたり消えたりする、一定のパルスを生じるスネア/リムショットのような音が聴こえている間は、ビートがまとまりを見せ、一つの大きなグルーヴ/流れを形作っていることが理解できると思います。
そしてこのこと(一見するとカオスに見える楽曲が、その実一つの大きな流れを生成していること)は、この曲におけるスネア音のようなガイドラインの有無に関係なく、本作の全ての楽曲に言えることなのです。

そしてそこには、2人がそれぞれのユニットで以前から見せていたような、叙情的な和声推移を見せる音響が控えめに重ねられ、まるで往年のIDMのように複雑で、それでいてエモーショナルなテクノ・ミュージックとして成立しています。
ただ、以前のIDMに感じたような、ややもすれば頭でっかちな感覚はあまり覚えません。
音のテクスチュアによる印象のせいか、(構造的な部分は別にしても)サウンドから感じるイメージ自体は不思議とフロア向けなのです。

どことなくHIPHOPなどからの影響も感じるのですが、IDMな構造やフロア志向にも思えるサウンドと合わせて考えると、非常に近いのはautechreではないかと思いました。
それも、"LP5"でテクノ・ミュージックを一旦完成させ、"Confield"で次なる実験へ向かう前のautechreの姿が、本ユニットにはダブるような気がするのです。
個人的には、先述の2曲目の他、5曲目や7曲目にそんな空気を感じています。

正直なところ、autechreについては近作はイマイチのめり込めず、ついつい"Confield"以前の作品を聴いてしまいがちなのですが、このSecond Womanには、autechreが見せてくれるはずだったもう一つの可能性を期待したいと思います。


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