Taylor Deupree "Somi"

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Artist: Taylor Deupree
Album: "Somi"
Label: 12K
Year: 2017

Tracklist
01. Minism (3:47)
02. Somi (8:36)
03. Slown (8:54)
04. Fenne (10:27)
05. Evode (6:04)
06. Autum (6:58)
07. Aoka (6:51)


テイラー・デュプリーというアーティストが、ひいては12Kというレーベルが追い求めてきた表現とは何だったのか。
彼が2014年の"Faint"以降、実に3年ぶりに発表した新作"Somi"は、私にとってそれを改めて認識させるものとなったように感じています。

では、それは何だったのか?
端的に、誤解を恐れずに言ってしまえば、彼の表現しようとしてきたもの、あるいは彼の志向の根底にあるものは「アシッド・フォーク」だったのではないかと思うのです。

本作"Somi"は、2002年の過去作"Still"のフォローアップのための作品である、とレーベルの資料には述べられています。
また、"Still"で用いられた、アルゴリズムを基とする正確無比な(≒機械的な、無機質な)ループから、今作ではもっと不確実性の高い手動ループによる複数トラックの(ゆったりとした)ポリリズムへとその手法が変化していることも、彼自身の言葉を引用しながら記しています。

私自身は"Still"を聴いていないので(bandcampでDLできるのでそのうちに聴こうと思いますが)、そのあたりの手法的な部分を論ずることはできませんが、そういった「細かい」、彼の(あるいはかねてからの12Kの)特徴的な作風として捉えられてきた「マイクロスコピック(微視的)な」サウンドを、その音の誘うままに細かく細かく聴取するのでなく、むしろそれを俯瞰した時に立ち現れる「心地良い虚無感・虚脱感」については、どんどん研ぎ澄まされてきており、本作で頂点を極めていると断言できます。

この「心地よい虚無」というものを、私が最も強く感じるのは、シド・バレット(Pink Floyd脱退後)やシビル・バイエルなどのアシッド・フォークの作品です。
もちろん、デュプリーがこれらのミュージシャン/ジャンル/作品を好んでいるかは存じていません(可能性は低そうに思えます)が、ここ数年彼が試行錯誤を繰り返してつくり上げる音の背後には、このような感覚が常に通奏低音のように存在していた、ということは彼の(あるいは12Kの)作品を追いかけてきた人になら分かっていただけるのではないかと思っています。
何より、彼はニック・ドレイクに心酔し、ヴァシュティ・バニヤンのツアー・メンバーとして(あるいは自作へ彼女をフィーチュアして)活動するSSWギャレス・ディクソンの作品のディストリビュートに力を入れているのですから。

手法的な部分では、ここ数年の12Kのオーガニックなサウンド志向も関係があるのかな、と思わされますし、散発的に鳴らされる愛らしい楽音を、薄いドローン/フィールドレコーディングがメランコリックにつないでいく様子からは、昨年DLのみではありますがFentonの10年ぶりの新作を発表したことに絡め、90年代後半~00年代前半のエレクトロニカのような空気も感じ取ることもできるでしょう。

長年デュプリー/12Kを追い続けてきた人にも、あるいはここ数年追いかけるのをやめてしまっていた人にも、改めて聴いてみていただきたい作品です。


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Carlos Niño & Friends "Flutes, Echoes, It's All Happening!"

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Artist: Carlos Niño & Friends
Album: "Flutes, Echoes, It's All Happening!"
Label: Leaving Records
Year: 2016

Tracklist
01. Jupiter Sings (3:38)
02. Metamaravilla (5:10)
03. It's all Happening! (5:33)
04. Calimayan (2:32)
05. Alice's Chord (4:53)
06. Joyous Gratitude (1:21)
07. Delightfulllll/Waterfall (6:56)
08. 4 Directions Collage (4:39)
09. Aetheriaztlan (3:45)
10. On Into Rise (4:47)
11. (Tele)kenosis (6:22)
12. Stingray (4:25)
13. Awhirl (4:30)
(10~13はDLオンリーのボーナストラック。日本流通CDには収録されています)


LAのスピリチュアル・ジャズ集団Build An Arkのプロデュースなどでも知られるカルロス・ニーニョの新作は、かねてより作品を発表してきた「& Friends」名義での第4作目です。
このユニットはその名が示す通り、彼が今まで培ってきた人脈を駆使し、ジャンルの壁をいくつも横断するかのように豪華なゲスト達(フレンズ)との共同作業により音楽を形にしていくプロジェクトのようです。
今作でも、Build An Arkでも活動を共にしたネイト・モーガンを始め、ニュー・エイジの先駆者ヤソスやシタール奏者のポール・リヴィングストン、最近ストリングス・アレンジなどで多方面に引っ張りだこの作曲家/マルチ演奏家ミゲル・アトウッド=ファーガソン、昨年の大作"Epic"が話題を読んだサキソフォニスト カマシ・ワシントンに、マッドリブ、ジャマイア・ウィリアムス…etcと、本当に様々なミュージシャン達が参加しています。

さて、今作についてまず指摘しなくてはならないのが、これがいわゆる「音楽作品」然とした、起承転結のある楽曲構成やアルバム構成をそもそも考慮していない(≒拒否している、といっても過言ではないかも)、ということだと思います。
もちろん、一部ではそのような箇所も見受けられますが、全体としては非常に取り留めなく、思いつく限りのサウンドを並べたような印象が強いです。
良く言えば純粋ですが、悪く言えばとっちらかっている。

しかしながら、収録された楽曲はどれも音楽の悦びに満ち溢れており、ゲスト達の演奏や自然的なフィールドレコーディング、話し声、あるいはスペーシーな音響や重く煙たいビートなどの様々な要素が織り合わせられた、「スピリチュアル」という言葉を正に体現するかのようなものに仕上がっています。
マッドリブがビートを作ったらしき3曲目のみスモーキーでアングラな香りが漂いますが、途中からミゲルによるストリングス・アレンジとの混合物へと変化し、更にはスペーシーなドローン状の音響に変化していくというウルトラCな離れ業があり、アルバム全体の雰囲気からは大きく逸脱しません。

アルバムで最も耳を惹くのはやはりミゲルによるストリングス・アレンジです。
2・3・8曲目と、全体の4分の1にも満たない参加のはずなのですが、力強く上昇していくストリングスがアルバム全体の空気を間違いなく決定づけているのには驚かされます。
また、6・10曲目でファラオ・サンダース直系のゴリゴリなスピリチュアル・サックスを聴かせるカマシも、ミゲルほどの主張はありませんが、アルバムの空気を引き締めるのに一役買っていると思います。
他にも5曲目でタイトル通りアリス・コルトレーンのスタイルを引用しているヤーコヴ・レヴィや、1・7曲目でキラキラと煌めくニュー・エイジなシンセを付与するヤソスなど、ゲスト達の個性が際立った演奏が随所で聴かれますし、また彼らがその演奏を楽しんでいることがありありと見て取れます。

ニーニョ自身の出自がジャズ系ではありますが、アルバムを通して聴いてみると、これはむしろアンビエント系のアルバムとした方がイメージがつかみやすいのかな、と思いました。
何度も聴いていくうちに、取り留めがないと感じていた部分がむしろ、聴き手が作品へ没入してしまうことを防ぐような、一定の距離を保つための仕掛けのように思えてきたのです。
アンビエントはそもそも「聴くことも、無視もできる音楽」という定義の音楽ですが、ジャズにも、ヒーリング・ミュージックにも、あるいはヒップ・ホップにもクラシックにも変化しながら一処にとどまることを回避するような、聴き手との距離を常に一定に保つ今作の在り方はまさにそれに近いのではないかな、と。

そんな方向の作品でもあるため、私自身のめり込むというような聴き方は今のところできていませんが、聴く度アルファ波が出て癒やされているような感じはしてます(笑)
音楽作品として強くオススメするような感じではないのですが、アンビエントや、民族系の土着的な雰囲気(そういう点では以前紹介した"Mukunguni"なんか近いかも)を好む方は聴いてみると面白いと思います。


'It's all Happening!'



'Calimayan'

Licht-Akiyama Trios "Tomorrow Outside Tomorrow"

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Artist: Licht-Akiyama Trios
Album: "Tomorrow Outside Tomorrow"
Label: editions Mego
Year: 2016

Tracklist
01. Blues Deceiver (20:47)
02. Tomorrow Outside Tomorrow (18:52)


アラン・リクト秋山徹次という2名のギタリストによる作品がeditions Megoよりリリースされました。
収録されているのはインプロヴィゼーションによるものと思われる長尺の2曲で、1曲目にはオーレン・アンバーチ(ギター)、2曲目にはロブ・マズレク(コルネット)が参加したトリオ形式での演奏です。

日本人画家の内藤瑶子によるどこか虚ろなジャケットが印象的ですが、収録されている演奏もこのジャケットに相通ずるように幻想的といいますか不気味といいますか、ぼんやりとして掴みどころがないようで、音や響きが空間に充満していくような錯覚を覚えるアンビエンスと、3人による演奏とは思えないほどにパーソナルな雰囲気が充満したものになっていると思います。

1曲目'Blues Deceiver'はギタリスト3人による演奏ですが、クレジットから推測するにリクトは主にエレクトロニクを担当してパルス音をねじり、グリッチさせながら音程を推移させ、アンバーチはいつものごとく自身のギターを変調させてドローン状に融解させています。
秋山の演奏こそギターとしての音の輪郭が聴き取れるものではありますが非常にアブストラクトでとりとめなく、全体的にはあまりギタリスト達の演奏、という雰囲気ではありません。
3者の演奏を多層的にレイヤーしていくというよりは、互いの音に耳を傾けながら、暗闇の中を一歩一歩手探りで進むかのように自分の音を他の2人に投げかける、緊張感のある演奏です。

「ブルーズの詐欺師」という不思議なタイトルですが、私個人としてはこの演奏の中にはどこかローレン・コナーズに似た空気感があるように感じました。
秋山のギターのトーンがクリーントーン中心で、じっくりと残響を空間に滲ませるような所作がそのように感じる主な原因だと思いますが、コナーズのような叙情的な雰囲気は薄く、反対に他の2人の演奏とあわせてなんとも言えない荒涼感/終末感のある風景を描き出すかのように叙景的な印象を受けます。

2曲目'Tomorrow Outside Tomorrow'は一転して和声的な部分が強く現れた演奏です。
なんといってもやはりロブ・マズレクのコルネットによる単声が形作るメロディの役割が大きいですね。
冒頭の数分こそまるでデレク・ベイリーのように弦を擦る音(リクトでしょうか?)が1曲目の続きのような雰囲気を醸しますが、徐々にもう1人のギターが弱音で絡みながらミニマルっぽいフレーズをゆるく反復させはじめ、そこにマズレクの黄昏れるかのようにメランコリックなコルネットがかぶさってきます。
擦過音を担当していたギターも徐々に弱音のディストーション(クランチ?)を響かせながら感傷的になっていき、最終的にはとても叙情的な演奏に変貌していきます。
後半はコルネットのおかげか和声的/旋律的な印象が強く、非常に聴きやすいですし、また、そこはかとないジャジーさも感じられ、とても美しい演奏になっているように思います。

ところで、ジャケットの話に戻りますが、ちょっと面白いなと思ったのは、それぞれの楽曲を聴きながらジャケットを眺めると、随分と違った印象を受けることです。
1曲目であればひどく黙示録的でホラーテイストなものに見えます(3人の人影が幽霊のようでなんとも不気味)し、2曲目であれば黄昏時のような物悲しく、ちょっぴり懐かしい印象を受けます(人影も血の通った人間性があるような…)。
本作の楽曲の印象を両方共に巧みに描き出した、非常に素晴らしいジャケットといえるのではないでしょうか。
ちょっぴりこの内藤瑶子さんの作品が気になりますね。

なかなか言葉にしづらい抽象的な演奏ではありますが、ジャケットもあわせ、不思議な魅力を持った作品に仕上がっていると思います。
インプロ好きはぜひとも聴いてみると良いと思いますし、アンビエントがお好きな方はそっち系の作品として十分に聴けますので、ぜひ聴いてみてもらいたいと思います。


Thomas Köner "Tiento de la Luz"

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Artist: Thomas Köner
Album: "Tiento de la Luz"
Label: Denovali Records
Year: 2016

Tracklist
01. Tiento de la Luz 1 (8:16)
02. Tiento de la Luz 2 (6:57)
03. Tiento de la Luz 3 (9:47)
04. Tiento de la Luz 4 (7:31)
05. Tiento de la Luz 5 (11:15)
06. Tiento de la Luz 6 (5:26)


ドイツ人アーティスト トーマス・コナーの新作は、2014年の前作""Tiento de las Nieves"に引き続いて、15世紀頃のスペインで生まれた古典ジャンルであるティエントをテーマにしたものとなりました。
コナーは、2012年にアントニオ・デ・カベソンの楽曲('Tiento del Primer Tono')をゴング、ピアノ、そしてライヴ・エレクトロニクスのために編曲したことでこのジャンルと出会い、3部作として発表する予定にしているようです。
(3作目のタイトルは"Tiento de la Oscuridad"というものになる予定)

さて、前作はコナーのソロ・パフォーマンスのためのティエントでありましたが、今作はそれにスルジャン・スタニック(Srdjan Stanic)によるヴィオラと、イヴァナ・ナイマレヴィク(Ivana Neimarevic)のピアノとが加わったトリオ形式での作品です。

以前よりコナーの創りだすサウンドスケープには、とても寒々しい感覚がありました。
初期からしてその特徴は強くありましたが、アンディ・メルウィッグとのPorter Ricksでも見せているとおり、そこにはダブに通底するような残響と、音が響く「空間」に対する独特のセンスがあったことは疑いようがありません。
そして、それはヴィオラとピアノを前提として書かれた今作でも同様です。

ピアノがメロディや散発的な単音を振りまき、ヴィオラがドローニッシュに音を引き伸ばしていく、それらの音が響くための空間をコナーがライヴエレクトロニクスとパーカッションを用いて作り出しています。
ピアノは夢見るように愛らしく響き、そしてヴィオラは幽玄な響きで空間を満たしますが、それと比べるとコナーの音は非常に無機質で怜悧です。

コナーの音は確かに冷たく張り詰めていますが、そうであるからこそピアノ/ヴィオラとうまく対立し、この二声(ピアノが両手であることを考えれば三声)が持つ体温/叙情性を保持させながらも、そこに宿りがちな湿り気のようなべしゃっとした感覚を漂白し、まるでオーロラのように透き通った美しさに昇華しているように感じます。

私自身、彼の作品は初期の三作("Nunatak"、"Teimo"、"Permafrost")とPorter Ricksにしか触れていませんでしたが、今作の雰囲気は、それらの作品で見受けられたマシニック/インダストリーな雰囲気とはまるで違っています。
コナー自身が発する音とは対照的に、自然への畏敬のような感情も感じさせる、とてもスピリチュアルなものに仕上がっているのです。

ブックレットにはコナー自身によるライナーノーツが記載されています(こちらでも要約が読めます)が、そこには彼の感心事が空間と音色にある(あった?)ことや、音そのものは他の音との関係性の中からしかビート/メロディ/ハーモニーを作り出せないということが述べられています。
要は「作曲とは何か?」という疑問が彼自身の中に強く渦巻いており、ヨーガなどを学んだこともあってか、音に関する視点がよりメタな位置に移行しているように感じられました。

この手の音響もの/アンビエント作品というと、音の微細な変化に聴き手の意識を向けさせるマイクロスコピックな手法が近年多かったように思いますが、音そのものではなく、音とその他の音との関係性の中に「音楽的なもの」を見出す姿勢が、今作に今までの彼の作品と違う雄大で自然的な美しさを与えているのかもしれません。
前作と、近く発表予定らしい次作もセットで聴いてみたいと思える作品です。


Federico Durand "A Través Del Espejo"

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Artist: Federico Durand
Album "A Través Del Espejo"
Label: 12K
Year: 2016

Tracklist
01. Mirador en la montaña (Viewpoint in the mountain) (1:44)
02. Teatro de sombras (Shadow play) (4:41)
03. El jardín encantado (The enchanted garden) (3:52)
04. Linternas junto a la laguna (Lanterns beside the lake) (6:42)
05. Diorama (Diorama) (4:28)
06. El grillo de nácar (The cricket of nacre) (3:00)
07. Canción de la Vía Láctea (Milky Way song) (3:53)
08. Hora de dormir (Time to sleep) (3:49)
09. Recuerdos en Super 8 (Memories on Super 8) (4:37)
10. A través del espejo (Through the mirror) (5:06)


アルゼンチンのサウンド・アーティスト フェデリコ・デュラン(と読むのか?)が12Kより発表した新作。
私はこの作品で初めて彼の作品を耳にしましたが、東京のレーベルSpekkなどから何作か発表したこともあるようです。

今回12Kからの処女作、ということですが、2014年にはレーベルオーナーのテイラー・デュプリーや、ステファン・マシュー、iLLuHaなどの12Kアーティスト達と共演した経験もあるようで、徐々にこのレーベルから作品をリリースする準備をしていたであろうことが窺えます。

一聴してみて気が付くと思いますが、本作はいたってメロウな質感のアンビエント作品に仕上がっています。
キラキラと輝くような金属音や、ゆったりとした音響、フィールドレコーディング素材などが繊細に重ねられ、とても牧歌的な心地よさを感じさせてくれる、まさしく「12K的」な作品と言えるでしょう。

本作にてデュランはシンセサイザーやピアノなどの鍵盤楽器のほか、ギリシャ発祥の撥弦楽器ライアーやオルゴール(ミュージック・ボックス)、様々なオブジェクトを用いています。(ライアーも黒鉛筆で演奏したようです。'hammered with a black pencil')
多少の電子楽器は含みつつも、多くはアコースティックな楽器であったり、木やテープ、グラスにナイフといった、言ってしまえば「オーガニック」なものが用いられています。

また、この手の音楽においては、そういった録音に使われる素材ももちろんですが、ポストプロダクションで使われる機材もまた同様に重要です。
彼はその部分について、今作ではアナログエフェクターを用いて行い、ラップトップは一切使用していません。
今回用いられたのはオールドファッションなロック・ミュージックや、ジャマイカンダブなどで使用された名機Roland Space Echo RE-201やエレハモ社製のルーパーEhx 2880などです。

さらに、そこに加えて使用されたのはMDやソニー製のカセットプレイヤー(TCM-200DV)です。
iLLuHaの伊達伯欣の手記によれば、彼はブランクのTDK社製カセットテープから流れる音をライヴの素材(背景)として使っているそうです。
同手記には、彼がこの製品に対して強い愛着を感じているらしいことも記されていますが、本来であれば無音であるはずのテープから流れる、ざわざわとした揺らぎや暖かく仄かなノイズなどが皮膜のようにレイヤーされることで、作品全体に独特なノスタルジアを生ぜしめているように感じました。

先述のアナログエフェクターへのこだわりもそうですが、こういった彼のフェティッシュな美意識が、実際に音となって反映されることで我々の意識をハードな現実から隔絶する壁/膜のような役割を果たし、オーガニックな素材により録音された音や話し声が織りなすドリーミーな世界に我々を没入させてくれるのかもしれません。
個人的には、この壁/膜のようなノイズが、マーカス・フィッシャーが2010年に同じく12Kより発表した"Monocoastal"と共通した空気/サウダーヂ感を彼の作品にもたらしているように思います。

12Kファンや、"Monocoastal"が好きな方には大推薦盤です。
2016年の12Kも期待大ですね!


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