The Necks "Unfold"

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Artist: The Necks
Album: "Unfold"
Label: Ideologic Organ
Year: 2017

Tracklist
01. Rise (15:33)
02. Overhear (16:17)
03. Blue Mountain (20:58)
04. Timepiece (21:47)


オーストラリアの誇る即興トリオThe Necks
結成は1987年ということでなんと今年で結成30周年にもなる大御所ユニットなのですが、私が知ったのは実は最近でして、昨年の初来日に絡んで名前を見ることが多くなった、というのが切欠でした。
(一応、以前ドラマーのトニー・バックがFenneszと共演した盤を聴いたことはありましたが、The Necksの人なんて意識してもいませんでした 汗)

来日公演には行けませんでしたが、editions Mego傘下で、ステファン・オマリーが主宰するIdeologic Organより2017年早々に新作が発表されることを知ったのと、バンド自体になにか惹かれるものを感じたのもあり、ReRより数年前に出ていた過去8作を集めたBOXを年末に購入して(あとは年明けに2013年の"Open"も購入して)新作を迎える準備を着々と進めておりました(笑)
本作は1stプレスが発売前に売り切れ(eMegoのサイト見に行ったらSold Outの文字が…)てしまい、焦ってBoomkatで確保しましたが、なんとか手に入ってよかったです。(3月に再プレスがかかったようです)

さて、本作について述べる前に、まずはThe Necksの基本的なスタイルについて述べることとしましょう。
彼らが根本に有するのは「即興演奏」「ミニマリズム」の2点で、これは彼らの作品のどれを聴いても意識する要素だと思います。
ドラムスとベース、そしてピアノがストイックに反復しながら徐々にそのフレーズを変化させていき、殆どの作品において、1時間もの長い時間を使って演奏が上り詰めていく様がはっきりと聴き取れます。
これまで"Unfold"を含め10作を聴きましたが、個人的にこの方向性で最も好きなのは2003年の"Drive by"でした。
繰り返しますが本当にストイックな反復をベースとして、その上で丁寧に音を変化/レイヤーさせていくことで生じる高揚感には他では得難いものがありますし、その演奏はしなかさと共にどこかはっきりとした輪郭を持っており、クラウトロックなどとも比較できるような硬質な魅力もあったように思います。

しかしながら、彼らはその作風を2000年代後半から徐々に変化させていき、そしてそれは2010年代に入ってだんだんと顕著になっていきます。
それを私が強く意識したのはやはり後で手に入れた"Open"でした。
一聴してまず感じたのは「禅」の様な感覚というか、今までのストイックな反復によるディシプリンがもたらす明確な輪郭線が融解し、もっと抽象的で流動的な「空気」を醸しつつも意識が一処に集中するような、メディテーティヴな感覚でした。
"Open"ではメロディにラーガのようなスケールを聴き取れたため、そこに起因した印象かな、と思っておりましたが、今作ではそれがさらに突き詰められ、頂点を迎えているように思います。

なによりも変化したのは、もはや彼らは明確なフレーズの反復を行っていない、という点だと思います。
ドラムが土台となるパルス/グルーヴを発信し、そこにベースが明確なリフの反復(「リフの反復」って妙な言葉ですが 笑)でもってグルーヴを強化し、ピアノが同じく反復しつつ音響的な装飾を施す…という、反復を主体とする即興演奏におけるある種の暗黙の了解を完全に拒否しているのです。

彼らは互いの演奏、一挙手一投足にまで集中し、他の2人の演奏に最適な答えをリアルタイムで返し続けます。(もちろん、今までの作品同様オーヴァーダブでレイヤーされた部分もあるのでしょうが)
いわゆるインタープレイで楽曲を構築していく様は、(私自身はThe Necksのことをジャズ・バンドとはあまり思っていないのですが)まるでビル・エヴァンス率いるピアノトリオが(シンセやオルガンなども用いつつ)フリーミュージックを演奏したら、というifのようにも聴き取れますし、また、本作のリリース元であるIdeologic Organ絡みでは、レーベルオーナーのオマリーが灰野敬二、オーレンアンバーチと組んだNazoranaiや、あるいはメンバーの共通から灰野/オルーク/アンバーチのトリオの演奏なども(熱量自体は違いますが)思い浮かぶ気がします。

本作は彼らにしては珍しく(?)15~20分程度のコンパクトな曲が並んだ作品となりましたが、時間感覚を希釈し、逆に濃縮するような感覚は今までで最も強いように思います。
今年の新作ではかなり上位に食い込んできそうです。


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2014年4月の新譜

GAS "Narkopop" (Kompakt)


Jason Moran "Thanksgiving at the Vanguard" (Self-Release)


Second Woman "S/W" (Spectrum Spools)


Valgeir Sigurðsson "Dissonance" (Bedroom Community)


アーバンギャルド "アーバンギャルド2016 XMAS SPECIAL HALL LIVE 天使 des 悪魔" (FABTONE)


ポルカドットスティングレイ "大正義" (半泣きビビレコーズ)


フアナ・モリーナはちょっと迷ってます。

Taylor Deupree "Somi"

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Artist: Taylor Deupree
Album: "Somi"
Label: 12K
Year: 2017

Tracklist
01. Minism (3:47)
02. Somi (8:36)
03. Slown (8:54)
04. Fenne (10:27)
05. Evode (6:04)
06. Autum (6:58)
07. Aoka (6:51)


テイラー・デュプリーというアーティストが、ひいては12Kというレーベルが追い求めてきた表現とは何だったのか。
彼が2014年の"Faint"以降、実に3年ぶりに発表した新作"Somi"は、私にとってそれを改めて認識させるものとなったように感じています。

では、それは何だったのか?
端的に、誤解を恐れずに言ってしまえば、彼の表現しようとしてきたもの、あるいは彼の志向の根底にあるものは「アシッド・フォーク」だったのではないかと思うのです。

本作"Somi"は、2002年の過去作"Still"のフォローアップのための作品である、とレーベルの資料には述べられています。
また、"Still"で用いられた、アルゴリズムを基とする正確無比な(≒機械的な、無機質な)ループから、今作ではもっと不確実性の高い手動ループによる複数トラックの(ゆったりとした)ポリリズムへとその手法が変化していることも、彼自身の言葉を引用しながら記しています。

私自身は"Still"を聴いていないので(bandcampでDLできるのでそのうちに聴こうと思いますが)、そのあたりの手法的な部分を論ずることはできませんが、そういった「細かい」、彼の(あるいはかねてからの12Kの)特徴的な作風として捉えられてきた「マイクロスコピック(微視的)な」サウンドを、その音の誘うままに細かく細かく聴取するのでなく、むしろそれを俯瞰した時に立ち現れる「心地良い虚無感・虚脱感」については、どんどん研ぎ澄まされてきており、本作で頂点を極めていると断言できます。

この「心地よい虚無」というものを、私が最も強く感じるのは、シド・バレット(Pink Floyd脱退後)やシビル・バイエルなどのアシッド・フォークの作品です。
もちろん、デュプリーがこれらのミュージシャン/ジャンル/作品を好んでいるかは存じていません(可能性は低そうに思えます)が、ここ数年彼が試行錯誤を繰り返してつくり上げる音の背後には、このような感覚が常に通奏低音のように存在していた、ということは彼の(あるいは12Kの)作品を追いかけてきた人になら分かっていただけるのではないかと思っています。
何より、彼はニック・ドレイクに心酔し、ヴァシュティ・バニヤンのツアー・メンバーとして(あるいは自作へ彼女をフィーチュアして)活動するSSWギャレス・ディクソンの作品のディストリビュートに力を入れているのですから。

手法的な部分では、ここ数年の12Kのオーガニックなサウンド志向も関係があるのかな、と思わされますし、散発的に鳴らされる愛らしい楽音を、薄いドローン/フィールドレコーディングがメランコリックにつないでいく様子からは、昨年DLのみではありますがFentonの10年ぶりの新作を発表したことに絡め、90年代後半~00年代前半のエレクトロニカのような空気も感じ取ることもできるでしょう。

長年デュプリー/12Kを追い続けてきた人にも、あるいはここ数年追いかけるのをやめてしまっていた人にも、改めて聴いてみていただきたい作品です。


2017年3月の新譜

Acid Pauli "BLD" (Ouïe)


Phil Julian "Relay" (Entr'acte)


Phronesis, Julian Argülles & Frankfurt Radio Big Band "The Behemoth" (Edition Records)



とにかくPhronesisが楽しみ。
あと、再発ものでエリオット・スミスの"Either/Or"のデラックス・エディションを購入予定です。

Gábor Lázár "Crisis of Representation"

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Artist: Gábor Lázár
Album: "Crisis of Representation"
Label: Shelter Press
Year: 2017

Tracklist
01. Crisis of Representation 1 (4:24)
02. Crisis of Representation 2 (4:12)
03. Crisis of Representation 3 (4:20)
04. Crisis of Representation 4 (4:19)
05. Crisis of Representation 5 (2:57)
06. Crisis of Representation 6 (3:51)
07. Crisis of Representation 7 (9:04)
08. Crisis of Representation 8 (4:41)


イメージを想起させるような視覚的な音、という表現がなされた作品は今までにも多くありましたが、ブダペストを拠点に活動するガボール・ラザールによる新作"Crisis of Representation"ほどその表現が適切な作品はないのではないでしょうか。
むしろ、彼が今作で鳴らす音は、まるで視覚情報をそのまま聴覚情報に変換しているかのような錯覚すら覚えるほどに立体的で、そしてまた、ソフィア・ボーダによる(本当の視覚情報であるところの)アートワークのように透き通っています。

本作は2011年から2016年までの間に録音されたマテリアルを集めたものということですが、これらの音の間に5年もの歳月が横たわっているとは到底思えないほどに音の質感は統一されています。
先ほど「アートワークのように」と表現しましたが、本当に特徴的な音でして、水晶のような透徹とした雰囲気を持ちつつも、3D映像のように非物質的で(なのに)立体的、というなんともSFチックな響きのテクスチュアでもってアブスラクトなテクノ・ミュージックを形作る様には、どこか"Gantz Graf"以降のautechreへの類似性を感じます。
そういえば、あちらは聴覚情報をそのまま視覚情報に変換したかのようなMVが制作されていましたね。

楽曲そのものはautechreほど破壊的ではなく、アブストラクトでありながらもどこか「ノれる」ものに仕上がっています。
鋭角なビートがスクリューされ、引き伸ばされつつミニマルにリズムを刻む様子はアートワークのような3Dイメージが自由自在に動き、変化しているかのようでもあります。

レーベルのインフォによると「ただ一種類の特徴的な音色と、わずかな作曲技法(only one type of characteristic sound and a few composition techniques)」で本作は構成されています。
すなわちこの作品は、とにかくただこの音のテクスチュアのみを楽しむためのものなのです。
「音響派」なんて定義の曖昧なタームが過去にありましたが(というか便利なので未だに言っちゃいますけど 笑)、ただ音のテクスチュアだけを押し出した本作こそ、正に「音響派」の名作といっても過言ではないでしょう。


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